vabien

Entrevista Juan Melé I

2012-02-10T11:54:00.000+01:00

11° Biennale de Lyon

2011-12-21T14:20:00.005+01:00

Luminosa, trágica, sorprendente

La 11º Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon propone a los visitantes un «viaje a través de la imaginación». Mezclando humor y tragedia, poesía, provocación y utopía, las obras de 78 artistas internacionales de 25 países, en gran parte creadas para la manifestación, buscan "poner sobre la mesa el debate sobre el arte y la realidad". Las obras -algunas de ellas instalaciones monumentales - están expuestas en 13.000 metros cuadrados repartidos en cuatro lugares emblemáticos de Lyon, la Sucrière, la Fundación Bullukian, el museo de Arte Contemporáneo (MAC) y la ex fábrica de seda Tase en Vaulx-en-Velin.

«Ha nacido una belleza terrible» (A terrible beauty is born), verso original del poema "Pascua, 1916" del poeta irlandés William Butler Yeats, -que se refiere a la ejecución de 15 líderes irlandeses que lanzaron el movimiento de independencia-, es el título que inspiró a la curadora, la argentina Victoria Noorthoorn para dar nombre a la bienal, que aclara que seleccionó a los artistas, no por su país de origen sino por su respuesta estética a la realidad que nos rodea.*

Marina de Caro (Argentina)

Entre las obras figuran esculturas, vídeos, instalaciones, e incluso una acentuada presencia del dibujo, de artistas europeos y africanos que se ensamblan con un fuerte protagonismo del arte latinoamericano y de los artistas argentinos. El caso de la elección de los artistas latinoamericanos fue bastante particular. porque comencé la selección de los artistas por los europeos, principalmente porque el público de esta bienal es europeo. Mi obsesión principal fue como hablar al público europeo, tanto al gran público como al especialista y a partir del momento en que los artistas europeos fueron invitados fue que fui convocando a los distintos artistas latinoamericanos a enriquecer la conversación -por decirlo de alguna manera- y a tensionar las propuestas de los artistas europeos, buscando generar relaciones productivas, ricas, buscar la fuerza del arte.*

Una sucesión de pesados telones de teatro -realizados en espesos papeles- negros, rojos, amarillos «Kulissen» de Ulla von Brandenburg, reciben en la Sucrière al visitante que se encuentra propulsado hacia un mundo poblado de obras embriagadoras, instante muy particular, donde transformado en actor solo le queda deambular por ese laberinto incierto de estéticas muy diferentes y utopías plásticas sorprendentes. Otras creaciones monumentales lo aguardan, como la enigmática fortaleza en madera «Stronghold» del polones Robert Kusmirowski , instalación que revela su secreto cuando se sube al primer piso: una biblioteca con libros abandonados, inaccesibles, espacio sin alma, apocalíptico. Igual exceso apocalíptico en la creación del argentino Eduardo Basualdo "El Silencio de las Sirenas" una gran maqueta de paisaje nocturno, mare mágnum ensangrentado de 7000m² de agua púrpura que surge cada dos minutos en un movimiento lento para luego desaparecer, evoca las amenazas sobre el planeta. Bello, funesto, sin palabras. La dramaturgia continua con «Breath» de Samuel Beckett una obra sin actores, la mas corta, solo 24 segundos escenografiados por la brasilera Daniela Thomas. Solo un soplo que acompañado por un arriate lleno de basuras barridas por una luz rasante deja al espectador mas desamparado que perplejo. Notable también, la instalación de la brasilera Laura Lima «Puxador», un hombre desnudo tirando cinchas negras sujetas a los pilares de la Sucrière, como si quisiera desequilibrar el edificio, o aún la impactante obra de Barthélémy Toguo «The Time» un ensamblaje de 55 cajones de madera superpuestos de innegable potencia simbólica que representan los 55 países africanos, su sufrimiento y pobreza. Es una exposición donde en todo momento se investiga las posibilidades de las tensiones entre las obras y esa investigación sobre la tensión esta en la base del titulo de la bienal. La investigación sobre como las obras pueden generar una movilización del espectador, ya sea emocional o a nivel corporal, esta en todo momento en la bienal, hay obras muy pequeñas al lado de obras que requieren una cierta distancia para ser vistas; en todo momento el espectador esta en una continua actividad no se puede relajar y mirar a distancia y decir: esto ya lo conozco, ya lo vi, no, creo que no he permitido esa situación.*

Arthur Bispo do Rosario (Brasil)

La exposición, concebida alrededor de diez recorridos como narraciones que se encadenan y relacionan, ofrecen un constante cambio visual. En la primera planta los enormes hombres semillas de la argentina Marina de Caro son una trampa de interpretación. «Hombre semilla o el mito de lo posible» obra poética, irresistible pero angustiante, encierra conceptos dramáticos sobre la necesidad de un nuevo mundo. En el segundo piso de la Sucrière atribuido a la utopía, «La nuit del l'homme» del colombiano François Bucher y los cohetes espaciales y globos aerostáticos del eslovaco Stano Filko son un encuentro entre la ciencia y la ciencia-ficción, la experiencia chamánica y otros misterios. Un gran espacio le es atribuido al argentino Ernesto Ballesteros, cuya obra supera la única esfera del arte e integra las nociones de astronomía, matemática, ingeniería y otras ciencias. «Vuelos de interior» cautivante obra, busca hacer visible lo invisible: el movimiento, el tiempo, la fragilidad del instante. Conmovedoras son, las históricas obras del brasilero Arthur Bispo Do Rosário quien creó la mayor parte de su obra en el transcurso de sus cincuenta años pasados en un asilo. Combinando autobiografía con objetos cotidianos describe su experiencia del universo y creencia en Dios, mientras critica las posiciones dogmáticas de la iglesia. Resulta imperdible, la obra casi minimalista y elegante de Roberto Jacoby «El hilo rojo de la historia» un texto donde asegura que el dinero destinado a su obra será donado a la institución de Lyon que recuerda la matanza de 44 niños durante la ocupación nazi en esa ciudad. Billetes de cinco euros apilados sobre un pedestal, que el visitante puede eventualmente llevarse, acompañan el texto. A través de esta pieza Jacoby desea enfrentar el espectador al dilema moral de las tragedias históricas a través del tiempo y el espacio, una trampa de interpretación que encierra conceptos dramáticos. Durante un año y medio me dedique exclusivamente a la bienal y trabaje de una manera muy cercana con cada uno de los artistas, tomando los pasos juntos, discutiendo sobre las posibilidades de los proyectos, he tenido al tanto a todos los artistas de como se iban moviendo los espacios a medida que iban avanzando los proyectos, fue un proyecto muy orgánico y estoy muy feliz con el resultado.*

Roberto Jacoby (Argentina)

En el Museo de Arte Contemporáneo -MAC- la sensibilidad estética retoma sus derechos y nos pasea por un campo expandido de dibujos en la que la linea autónoma asume un rango protagónico. Irrumpe de manera invasiva en las tres plantas del recinto y se mezcla con las instalaciones de diversos materiales, pesos específicos y texturas. Esta doble vertiente se canaliza en las obras de Jorge Macchi, John Cage y su música de ruido sordo, Henning Lohner, Leonora de Barros, Giacometti y Laurent Montaron, entre otros. Lineas con tanta fuerza como resistencia se perciben en las poéticas diferenciadoras de Nicolás Paris, Milan Grygar, Elly Strik, Bernardo Ortiz y Morton Feldman entre otros. Los trazos, falsamente naif de las pinturas de Hannah Van Bart, la serie de Marlene Dumas dedicada al muro que separa Israel de Palestina, acorralan, silencian al visitante, estupefacto no sabe como actuar. De suelo a techo, La Bruja, asombrosa instalación de 3000 km de hilos de lana de Cildo Meireles devoran todo el espacio del tercer piso. Una especie de caos dentro de un orden impuesto. La escoba puede admitir distintas interpretaciones: puede ser percibida como el comienzo, el origen de la expansión de los hilos o como el punto final donde todo se compresa, se contrae. Sentí que tenía que enunciar subjetivamente una posición curatorial fuerte en mis términos así que comencé a viajar e investigar por Europa y por África, tratando de encontrar el tono para una de las bienales más experimentales en Europa, que les hablara con fuerza a los europeos, pero también con un espíritu fresco.*

Nicolas Paris (Colombia)

Yona Friedman (Hungria)

Se destacan también, en el contexto de la exposición, los caligramas del gran poeta brasilero Augusto de Campo, que irrumpen de manera invasiva todos los muros en diálogo permanente con las obras. La bienal, que ocupa un tiempo-espacio, se declina aún en la fundación Bullukian, donde sobre todo se pueden ver dos cúpulas de Richard Buckminster Fuller, piezas espaciales que conversan a la distancia con las obras de Yona Friedma, del joven y talentoso venezolano Nicolás Paris y Kemang Wa Lehulere. Traté de generar un espacio muy activo para el espectador, no es una bienal que deja al espectador tranquilo, le exige mucho. Mi intensión es que el espectador vuelva a su casa con algo para pensar, con algo para reflexionar y que haya sido interpelado corporalmente, emocionalmente, intelectualmente y recurriendo a los elementos que uno conoce para poder también hacer eso posible.*

Jorge Macchi (Argentina)

El acto comunicativo termina en la antigua fabrica de seda TASE, que recibe a la bienal por primera vez. Espectacular y teatral son las obras: «Marienbad» del argentino Jorge Macchi con su «jardin à la française» tamaño natural que reconstituye una escena del film «L'année dernière à Marienbad» de Alain Resnais; de la brasilera Laura Lima y sus cuarenta pollos disfrazados con plumas multicolor «Gala chicken and Gala coop» o la curiosa instalación del holandés Michel Huisman, un gran pez de doce metros de largo con dos cabezas y dos patas que se traga a los consentidos visitantes. La exposición es el resultado de una gran serie de conversaciones, un modus operandi que resulta de la creencia en el poder del diálogo para la construcción de cualquier proyecto. Un proyecto muy radical, con fuerza de enunciación propia: obras fuertemente poéticas y de mucha contundencia crítica respecto del estado del mundo de hoy, que hablan sobre conflictos sociales, raciales, económicos y al mismo tiempo ofrecen alternativas a un presente complicado, tumultuoso, como el que se vive sobre todo en Europa.*

Michel Huisman (Holanda)

Laura Lima (Brasil)

Especial aplauso merece el voluminoso catálogo de la bienal, que cruza imágenes de obras con una delicada selección de fragmentos de textos literarios, en una relación de necesidad e implicancia. Una edición que impacta en su diseño y constituye para el acontecimiento un núcleo de reflexión inescindible.

El montaje no obedece a criterios tradicionales, como nacionalidades, géneros o similitud de lenguajes y logra generar un recorrido espacioso, alternar correctamente luz y sombra y dar cabida a propuestas disimiles. Cada artista participa con varios trabajos, lo que permite un mejor conocimiento de su obra , aunque algunas participaciones estén dispersas en los cuatro lugares de la muestra. Una escenografía que crea un verdadero dialogo entre las obras de cada artista, para ofrecer finalmente un conjunto de una rara coherencia. He tratado de no trabajar alrededor de un tema, ni llevada por regionalismos, sino estableciendo un recorrido con obras claras para el público. Creo que es una exposición exigente en el sentido de que para los artista no es fácil que no te pongan dentro de un cubo blanco, aislado como en un stand de feria y tener tu propio cubículo que te protege, sino estar en una exposición donde cada uno de los artistas esta en diálogo con otras obras múltiples y poder sostener su posición de una manera fuerte y creo que cada uno lo hace, cada uno de ellos habla a sus vecinos en el espacio de la exposición y al gran público de una manera muy fuerte y eso creo que se debe a que hay un gran trabajo por detrás sobre todo de los artistas y mio también.*

Es evidente detectar a lo largo de toda la bienal, el proceso de juzgar, construir y desconstruir los códigos por parte de los artistas expositores, como es notorio percibir también el retorno a los valores de identidad, de la vida, de la muerte. Así, pues, el infinito, el cosmos, lo inasible y lo inmaterial constituyen las lineas de fuerza de un diálogo inesperado en esta exposición concebida por Victoria Noorthoorn cuyo conjunto respira la estimulación intelectual y la libertad de creación.

* Entrevista con Victoria Noorthoorn, por Patricia Avena Navarro, septiembre 2011

fotos y videos de la bienal de Lyon

Juan Melé, Galerie Argentine, Paris

2011-11-27T16:46:00.001+01:00

Contrapuntos de color y sombra

La consistencia de la producción de la obra de Juan Melé viene a tono con la sala de exposiciones de la galerie Argentine -Embajada Argentina-. En un ejercicio curatorial ajeno a organizaciones cronológicas, la muestra transita orgánicamente entre pinturas, esculturas y grabados. Al entrar vemos una diversidad de medios y escala contrapuestos en el ambiente. Colores, lineas y formas danzan sobre la superficie, presentando una animada colección de formas geométricas. Una linea oscura divide suavemente el fondo en dos; toques de amarillo, negro, blanco, azul y una forma en rojo, llenan la superficie. La disposición de la muestra es impecable, como también lo es la factura de cada obra. El conjunto presenta distintas instancias de su trayectoria que, en primer término, cautivan la mirada del espectador y una vez más permiten introducirlo al prodigioso mundo que lo habita.

Su itinerario y la vastedad de sus obras son indisociable de la pintura concreta, punto de partida de la abstracción en el arte argentino de la década del´40, etapa crucial no solo en el arte argentino sino también latinoamericano que marcó una perspectiva de ruptura y de novedad que ha perseverado y persevera en el arte de hoy. En Argentina, el comienzo lo marca la revista Arturo, cuando en 1944 señala la aparición de la abstracción geométrica, la cual reúne tanto a plásticos como a poetas y diseña los postulados que guiaron al grupo Arte Concreto-Invención.

Compartiendo las mismas aspiraciones, Melé se destacó como un activo participante de los defensores de ese arte no figurativo el que integró a partir de 1946 y desde ese momento su obra ha sido de una evolución constante. Caracterizada por la síntesis formal de los colores, en ella se materializa la simetría entre color y forma. Vemos la renovación de la sensibilidad y la creatividad junto a lo concreto y lo real, mostrando la capacidad inventiva de encarnar estos valores. El deseo de crear objetos nuevos confirma en Melé la intención de incorporar el arte a la praxis vital. Las formas se acentúan sutiles pero con cierta fuerza, la proporcionalidad de las figuras geométricas y el color se enlazan con intensidad racional. No está la impronta del pincel, sino que la pintura es aplicada en colores planos y con un acabado perfecto. Su obra se centra así en un nuevo grado de conocimiento de alta sensibilidad: el rigor compositivo que transita desde un concepto–constructivo de la imagen hasta una recomposición fragmentada y dinámica, destinando a ciertos estímulos perceptivos que se manifiestan en metáfora de la vida actual.

No es un secreto que la avasallante vitalidad de Melé lo aleja de la quietud. Entre 1948-50 reside en París, allí entra en contacto con Vantongerloo, Brancusi, Pevsner y Sonia Delaunay. Durante ese periodo viaja a diferentes centros artísticos europeos, Italia, Suiza, España; conoce al grupo concreto de Milán, y Max Bill. De regreso a Buenos Aires comienza una intensa actividad docente y de fructífera producción artística. Mas tarde, a partir de los años sesenta vendrán una sucesión de viajes (Nueva York, Buenos Aires, París, Buenos Aires) época en que desarrolla sus diferentes etapas e integra colecciones públicas y privadas.

Tanto Juan Melé como los demás miembros del grupo Arte Concreto-Invención abrieron los horizontes artísticos de su época, respondiendo a las coyunturas vanguardistas y planteando quebrar las formas clásicas: salir del espacio y entrar en lo real. Descubrir el deseo de participación en el mundo, convencidos de la utopía en que diseño industrial y arte serían uno. Toda una vida de artista atenida a composiciones de una rigurosidad estructural que han evolucionado lentamente y anuncian un lenguaje universal que es el de la línea y el plano, unido al rigor del método científico. Con discreción y curiosidad mantiene el rumbo de su elección artística sin suscitar, como otros, polémicas y turbulencias. Reserva su energía para concentrarla en su obra.

Poseedor de una imagen que lo identifica, y dotado de una singular habilidad para inventar atmósferas mediante un manejo admirable de la composición, del espacio pictórico, de un fino grafismo y del color, Melé crea sugestivas obras. Los pigmentos, minuciosamente delimitados, producen un sentimiento de emoción contenida. Los colores permanecen en sus celdas individuales cuidando de no traspasar a las que no le corresponden. Investigador incansable, su obra tiene por objetivo producir en el espectador una sensación visual inédita sometiéndolo a una experiencia simple, directa e inmediata. Cuadros-objeto, esculturas o grabados, todas ejercen el mismo encanto insinuante.

La historia de la pintura y de la experimentación visual es siempre una historia del origen de ver. Juan Melé formó junto a otros artistas la mirada abstracta y concreta de una realidad objetiva, diversificándose en diferentes interpretaciones como la gráfica y la espacialidad arquitectónica. La forma, el vacío y la fijeza pura del color, nos logra hacer ver lo que era imposible llegar a ver: llevar la realidad en su abstracción máxima más allá del plano.

TUNGA, galerie Daniel Templon, Paris

2011-11-16T09:35:00.002+01:00

Présolaires

Cada vez que se tiene la oportunidad de regresar a la obra de Tunga -Palmares, Brasil, 1952-, es confirmar la pasión que imprime a su trabajo, como la magia que produce descubrirla. El lenguaje con que el artista viene trabajando en sus instalaciones y performances desde la década de 1970 se reafirma a cada paso. Artista consumado, produce una obra que permite apreciar el desarrollo de un proceso de búsqueda bien dirigido hacia sus objetivos, que no se estanca en logros ni re-huye cambios de lenguaje cuando los juzga necesarios. Centrado en sus investigaciones alrededor de un tema principal, la alquimia, sus instalaciones no solo son experiencias, sino también el descubrimiento de los materiales relacionados a la piedra filosofal; una reflexión sobre la fragilidad fisica y psicológica del ser humano y su búsqueda perpetua hacia la idea de lo absoluto.

Su obra, construye continuamente relaciones simbióticas entre elementos físicos con el fin de construir puentes metafóricos hacia el terreno inmaterial. La yuxtaposición, el juego de las proporciones y el aparente caos del sinnumero de elementos que pone en escena orquestan una dialéctica clara y bien pensada. Pasado y presente se enfrentan. La vida, la muerte, lo onírico, la sexualidad, el deseo y la alquimia, temas recurrentes en la obra de Tunga, dominan "Présolaires", la quinta exposición presentada en la galería Templon.

Un conjunto de recipientes colmados de nuevos tesoros como la resina, la silicona o el acero, marionetas realizadas en los materiales emblemáticos del artista - hierro, cristal de roca, perlas, alambiques, esponjas rojas - y una puerta con marco de acero subliman la contemplación inmediata del hombre en átomos, piedras y cristales, sensuales y eróticas que incitan a la caricia ...el espectador es confrontado a una serie de instalaciones en “mutuo contagio”. Tunga explora la naturaleza, los cristales, los cuerpos, en una abstración figurativa donde el deseo y el lenguaje se entrelazan. Austeridad y sensualidad, los origenes y finales se oponen mutuamente en las fastuosidades barrocas de las piezas y crean una puesta en escena dedicada a las añoranzas, entre orden y caos.

Es, sin embargo el video, el que ofrece las claves para comprender el juego de asociaciones propuesto por Tunga. La narración, se estructura a partir de un film de 14 minutos “Cooking”(2010) cuya sucesión de escenas por su crudeza pornográfica y escatológica pueden chocar los castos ojos de algunos visitantes... un falo toma la forma de una piedra de cristal para penetrar una mujer, luego se convierte mágicamente en un pedazo de hielo que la mujer disuelve en su boca. La mujer orina en un frasco, ambos beben la orina... el hombre es materia, come materia y crea materia en un ciclo natural. Sexualidad, penetración, erotismo y deseos arcaicos se mezclan. “No se debe tener vergüenza de lo que somos, de la materia, de lo que producimos, de los desperdicios y de lo que amamos, la sexualidad”.

Sin eliminar las cualidades fisicas del objeto, ni sustituirlas, logra remplazar su contexto y relevar su significado. Tunga se convierte en un comunicador, y hace una propuesta visual contenedoras de significados multiples. Sus esculturas permiten interpretaciones infinitas, son obras en los que el visitante participa sensorial y emocionalmente. Trabaja como el guia de una expedición fantástica, presentando al espectador sus grandes esculturas como recorridos por una zona sutil e intima que excitan vivamente a la contemplación y lo conducen hacia una reflexión intensa sobre la noción de los ritos.

Sin duda, las obras convidan a meditar sobre el ciclo génesis/desaparición/regeneración. Vibrantes y al mismo tiempo equilibradas, resumen en pocos volúmenes el misterio de la creación. Ellas son el símbolo del retorno a sus orígenes. Perturbadoras y sugestivas ofrecen una mirada personal. Invitan a imaginar mundos posibles, historias y situaciones particulares, sugieren, incitan al espectador a abandonarse a las percepciones más intimas, sin limite.

Ver videos

11e Biennale de Lyon

2011-11-02T09:53:00.006+01:00

Une terrible beauté est née

Robert Kusmirowski
«Stronghold»

Marina de Caro
«Hombre semilla o el mito de lo posible»

Stano Filko
«Série d'objets»

Guillaume Bijl
«The nun of Bruges»

Richard Buckminster Fuller

Nicolás Paris
«Utopía en espera o Diagramas de un territorio en contracción»

Entrevista con Victoria Noorthoorn, curadora de la Biennale

Eduardo Basualdo El silencio de las sirenas

Ver nota sobre la bienal de Lyon

FIAC 2011

2011-10-19T20:36:00.012+02:00

Christian Boltanski

Abraham Cruz Villegas

Allora & Calzadilla

Dr. Lakra

Carlos Amorales

Jorge Macchi

Pablo Bronstein

Murakami

Adrian Villar Rojas

2011-09-20T12:03:00.002+02:00

Poemas para terrestres

Antonio Segui

2011-08-22T18:39:00.002+02:00

Figura mayor de la escena artística latinoamericana, residente en París desde los años 60, Antonio Seguí, es un personaje, como sus hombres con sombrero, bigote fino y traje, que con elegancia recorren las superficies multicolores. Reconstruir su vida artística y personal es una tarea muy difícil, puesto que conectadas estrechamente no es fácil darse cuenta donde empieza una y donde termina la otra.

En la pintura se refleja su mundo, constituido por las herencias multiculturales que acumuló a través de sus viajes por América latina, Africa del Norte, España y Francia. La figuración caracteriza la obra de Seguí desde sus inicios, imponiéndose como el recurso irreversible a su expresión poética; donde sus personajes arrancados al tiempo y al espacio guardan los espejismos que nos atrapan en un juego alternativo donde se mezclan lo racional y lo burlesco. Seguí se burla de lo que ve, y dirige a término seguro un juicio sobre ese espectáculo, pero en lugar de entregarse a un discurso solemne, prefiere una caricatura ácida que le permite crear un cuadro provocador, dejando un cierto margen al azar que él prefiere favorecer.

La noción de verticalidad será una constante en sus cuadros, donde una multitud de personajes masculinos con sombrero, a menudo de perfil, busto inmóvil y piernas desmesuradamente abiertas, circulan en las ciudades donde abundan casas, coches y aviones. Deambulando frenéticamente dentro de una estructura arquitectónica donde se yuxtaponen espacios incoherentes y donde toda lógica de armonía ha desaparecido. En la obra de Seguí, la búsqueda del medio más apropiado a sus requerimientos estéticos y la exploración de las cualidades plásticas de la materia, será una constante creativa. Como también lo será la ambigüedad, característica recurrente, a través de la cual el artista juega con la interpretación del espectador, plasmando un espacio de concepción naturalista pero al que antepone una pantalla: que oculta o semioculta el espacio posterior.
Sus obras obligan a una mirada penetrante para intentar dilucidar las pautas reales y ficcionales que el artista entrelaza a través de la figuración calidoscópica, donde la perspectiva, como la escala de proporciones no tiene una razón de ser.

Maestro de múltiples técnicas, Antonio Seguí es un creador infatigable que en casi tres décadas de trabajo intenso, de experimentación en técnicas gráficas y pictóricas, no deja de sorprender. Su inconfundible estilo pone de manifiesto la consistencia de una trayectoria que tuvo sus inicios en 1957 y que es reconocida en el mundo y París, donde fue condecorado por el gobierno de Francia en 2008 como Oficial de la Orden de Artes y Letras.

El Musée National d'art Moderne, Centre Pompidou, París, enalteció al artista con la primera retrospectiva en Francia de su obra sobre papel. La exposición reunió alrededor de cien obras, de los años 50 a nuestros días y presentó los diferentes aspectos y técnicas empleados, pluma, carboncillo, pastel, óleos y acrílicos sobre papel encolado, como la serie "Man in the city" jamás mostrada en Francia. Pusieron en evidencia una obra donde el humor y la poesía desafían todos los estilos preestablecidos. Sin olvidar mencionar, el mural de 150 metros cuadrados en Boulogne Sur Mer conmemorando al general San Martin (1982) y sus actuales exposición en Le Carmel, Tarbes, Francia y Norha Haime gallery, New York.

Las muestras realizadas en los centros culturales Borges y Recoleta, el museo Castagnino de Rosario, entre otras, y su donación de obras en papel al MAMba, señalan su vínculo incondicional con Argentina y su Cordoba natal.

Tunga, Galeria Daniel Templon, Paris

2011-07-29T18:56:00.003+02:00

Présolaires

Sobre el tema del deseo y la alquimia los espectadores que no están familiarizados con la obra del artista brasileño Tunga tienen la oportunidad de encontrarse con su creatividad. Esculturas, videos, cuerpos, erotismo y sexualidad son interrogados en "Présolaires" la quinta exposición del artista presentada en la galería Templon.

Recipientes colmados de nuevos tesoros como la resina, la silicona o el acero, marionetas realizadas en los materiales emblemáticos del artista - hierro, cristal de roca, perlas, alambiques, esponjas rojas - y una puerta con marco de acero dominan las salas y componen un conjunto de obras de equilibrio frágil que guian al espectador hacia una reflexión intensa sobre la noción de los ritos.

Artista consumado,Tunga exhibe su talento donde el espectador es confrontado a una serie de instalaciones en “mutuo contagio”.

Ver texto

Carmen Ramirez, Galerie 13 Jeannette Mariani

2011-07-17T16:59:00.001+02:00

Cuerpos desdoblados

Carmen Ramirez, “Cuerpos desdoblados”- galeria 13 Jeannette Mariani,Paris

2011-07-05T20:07:00.007+02:00

Cinco siglos, antes de nuestra era, Melissus de Samos, el último filosofo de la escuela eleática, declaraba: “Rien n'est vide, car le vide n'est rien; et ce qui n'est rien ne peut être”. Carmen Ramirez, en sus obras renueva la reflexión sobre el vacio. Un vacio portador de una fuerza infinita.

Vestiduras que se abren y se ocultan, vacías pero llenas de significación, esperando ser llenadas por los que observan, conjugan una búsqueda en común: el planteo de una práctica dirigida al auto encuentro como contradicción del desencuentro y la crisis como proceso necesario y unipersonal para comprender y aceptar la alteridad. Una reflexión hacia el conflicto comunicativo al que se enfrenta el hombre contemporáneo y la imposibilidad de crear vínculos esenciales y verdaderos, cuestionando el transcurrir cotidiano como una experiencia virtual e inmediata.

La obra intenta descubrir el tiempo para conectarnos en un encuentro privado entre el yo y el otro que transcurre a través del rito de la costura, una tarea solitaria, femenina y complementaria, casi chamanica. Asi, su trabajo se transforma en una liturgia de encierro que denuncia, declara y revela desde su formalismo mudo-silencioso, un ser oral y altoparlante para quien quiera escucharlo.

“…necesito una pausa para alejarme de los lenguajes actuales, trabajar sin agresividad, sin ruido, en una pausa de silencio, que me permita y permita a los otros un momento de reflexión”.

Sus piezas son “cosas”, resultado visible de la huella “de lo que queda”, de un trabajo explorador. Obras que llevan la fragilidad de su génesis, los recuerdos y simbolos en filigrana, que condensan, en ellas, el tiempo dilatado en una infinita sucesión de lapsos que se expresan al unísono, no distinguiendo entre presente, pasado y futuro. En un intento por emancipar los recuerdos, su gesto deviene, situación de escape y su obra se transforma en idea, inquietud y pensamiento.

Intimista en su obra, no teme aferrarse a materiales y formas que la llevan a una marginalidad. Considerando y abordando la tela como el receptáculo de ese universo, organiza los enlaces y compone un elemento-objeto. Ramirez, observa y escucha el lenguaje de los hilos, lo que le transmiten, asi antes de obrar, traza y delimita lo invisible. Persigue la aparición de una presencia que se ofrece como una ausencia. Flirtea con el mutismo y el olvido, con lo invisible del espacio que guardan esas formas. Invita, a descubrir sus testimonios de un universo melancólico, entre proyección mental y reflexión sobre lo visible-invisible.

"Traverser" Adrian Doura

2011-06-01T17:21:00.000+02:00

Work in Progress
Preparacion de la muestra que se realizara en la chapelle Sainte Anne, Arles del 10 de setiembre al 21 de octubre

Norton Maza - Galeria Bendana-Pinel, Paris

2011-05-10T12:57:00.001+02:00

Cuán difícil es no sentirse impresionado por la obra de Norton Maza-Lautaro-Chile,1971-. Una obra, reflejo de una vida personal de exilio y viajes que le permiten realizar un paralelo entre el hemisferio norte y sur a través de una reflexión histórica y política. Al gran consumismo del norte, el artista responde con objetos banales e insólitos materiales de recuperación que instala en sus maquetas, parodias de una obra cargada de compromiso, ironia y sensibilidad respecto a la cruda realidad de dos mundos que se afrontan.
Era de esperarse que en su primera individual titulada « le delire des sages », en la galería Bendana-Pinel-París-, Maza emprendiera también el cuestionamiento del rol de la fotografía para involucrarla en un proceso de investigación irracional colectivo. En esta serie estan las primeras señales de un código que pasa indistintamente de lo estético- evidente en sus composiciones- a una nueva dimensión de lo social desde la fotografía, y ello en exaltación de una conciencia crítica y afectiva de la imagen. La que resulta especialmente esclarecedora de temas tan candentes como las devastaciones en Gaza, las especulaciones de la bolsa americana, los flujos de poder y riqueza, etc. Un número reducido de temas, que reelabora periodicamente intentando transmitir las dificultades y miserias por las que atraviesan esos paises.

Maza construye objetos, especie de esculturas-objetos de estructura frágil, como los realizados por los niños. Objetos-juguetes (helicópteros, aviones, camiones, etc) que el artista fabrica con materiales híbridos encontrados en los paises que atraviesa y que instala armoniosamente para luego ser fotografiados. Seres y situaciones que despegan del celuloide y que dan a conocer nuestra cultura visual cotidiana. Cada fotografía muestra tempestades, individuales o generales, momentos estáticos, de incertidumbre, de espera. Imágenes prefabricadas, copias de copias de una realidad creada y creadora, donde el mundo real se transforma en imágenes y las imágenes se transforman en seres reales. Con una mirada irónica, presenta los personajes y objetos, únicos y universales al mismo tiempo, retratados en poses estáticas, pero definiendo en el conjunto de la composición una escena dinámica, secuencial y temporal. Es así como reconstuye esos dos mundos, como una verdadera representación teatral, donde cada elemento libera una energia propia.

Asimismo, su obra rompe con la oposición entre un arte de elite y un arte popular mediante el uso parodico de la representación como formula critica de superar los convencionalismos retóricos. En ella, hay códigos comunicacionales que generan particularidades que nos identifican y que da como resultado una obra que aspira a lograr una sintesis entre la irracionalidad humana y las imposiciones político-sociales, religiosas y éticas.

A través de estas variadas obras fotograficas que constituyen las expresiones conflictivas de esas « primeras naciones », el artista explora sus estrategias individuales creando un dialogo entre el arte contemporáneo, la cultura de masa y las representaciones del pasado y presente; donde cada obra contiene los signos específicos que muestran las crudas realidades contemporáneas. Una obra especialmente esclarecedora de algunos de los temas más candentes que quedan un tanto disueltos en falsas polémicas y paradigmas.

Marcos Lopez - galerie Mor-Charpentier, Paris

2011-04-19T08:57:00.001+02:00

«Tierra en Trance » es el sugestivo y evocador título de la primera retrospectiva, en Francia del fotógrafo argentino Marcos López (Santa Fé, 1958). La muestra, hace referencia a un célebre film de Glauber Rocha, maestro del « cinema novo » de Brasil, que combina la temática política con elementos miticos y folclóricos. Plantea un repaso por la herencia antropológica que ha legado el mestizage y la transculturación al espacio fulgurante y superpuesto de la América Latina contemporánea. Compuesta de imágenes en blanco y negro que cohabitan y dialogan con las creaciones emblemáticas en color de su periodo Pop Latino, así como con las obras específicamente creadas para esta exposición, ofrece una enriquecedora e inédita visión de conjunto de la actividad creadora de López, soberbiamente hermosa al tiempo que inquietante.

En su obra, se recupera una constelación de metáforas fotográficas y nutridas referencias al encuadre, al motivo, la pose y el registro. López, realiza composiciones estudiadas, cuyas imágenes destilan un carácter de sintesis, donde la iconografia ritual africana e indigena y los mitos clásicos se entrelazan. El carácter escenográfico y casi preformativo es otra de la evidencias visuales más sintomáticas en las obras expuestas. La poética del gesto y el énfasis de la pose trascendente en estas imágenes son lenguaje en sí mismos y los objetos incluidos sirven como elementos de un vocabulario que articula ese lenguaje. Pobladas de onirismo y de exceso « churrigueresco » el artista muestra una América Latina salvaje y franca, imagen arquetípica de esos paises.

En sus retratos en blanco y negro estan las primeras señales de un código que pasa indistintamente de lo estético a una nueva dimensión de lo social, en exaltación de una conciencia critica y afectiva de la imagen; un escenario ideal, consolidado en la serie Pop Latino y Sub realismo criollo. En esas series, Marcos López capta el evento de la vida, el abismo, el fondo, la pasión en torno al cuerpo y la mirada. Entre figuras aisladas o grupos familiares - Asado en Mendiolaza, Amanda - emergen individualidades solitarias que no comparten a pesar de su cercania; petrificados, miran con seriedad el objetivo.

Esas mismas caracteristicas se observan en las remarcables fotografias realizadas luego de su viaje a Bolivia. La galería presenta tres magnificas obras de esta serie. Un destacado ejemplo es Familia de sastres -La Paz, Bolivia 2010-, posando en su tienda, la mirada de los personajes es un factor decisivo, pero el fotógrafo trasciende la inmediatez del cuerpo y se adentra en un espiritu de sobrevivientes. López condensa de manera elemental y radical un sentimiento y razón de ser. Los sujetos de la humanidad están allí en lo fantasmal y en el despojo que llega a lo agudo de los afectos, al interior del alma. A diferencia de los personajes de la serie Pop Latina, que se exceden en la interpretación, los sastres adoptan una postura y mirada calma, pero a la vez mucho mas enigmáticos.

« Tierra en Trance » nos guia a una Tierra, aquella de América Latina, a sus mitos, a sus líneas de fractura, a sus ilimitadas promesas. Ella actúa como un espejo deformante de sus tensiones identitarias. Heraldo de su alma latina, receptáculo de sus mitos, retratista de ese otro « Nuevo Mundo » conquistador, Marcos López vive y transmite esas tensiones a través de infinitas variaciones.

Artista del « exceso », a través de sus diversos periodos artisticos, Marcos López ha creado una obra única a partir de sus confrontaciones con la historia, la politica, la cultura y la religión latino americana y Argentina. A lo largo de su carrera, ha dejado que las experiencias de su vida en tiempo y lugar inspiren sus obras que tienen varias lecturas desde el punto de vista técnico y conceptual. Con su inventiva y estilo definido, dentro de instalaciones organizadas de manera ritual impregna de nuevo poder a las deidades, como a los notables - Héroes y santos, Bolivar y las Tres Potencias -. Nadie esta a salvo de su ingenio mordaz, el suyo es un reino de fantasia en el que todos estan presentes.

Siempre creativo y lleno de contrastes, continua mirando el mundo que lo rodea con imaginación y humor y explorando nuevos enfoques técnicos para darle a sus personajes sus extraordinarios entornos. Las coloridas personalidades inventadas por Marcos López, retozan en sus extraños paisajes y atraen seductoramente pero es dificil distinguir entre lo mítico, lo histórico y la realidad, de tal forma que en sus obras la verdad puede ser más extraña que la ficción. Combinando mitologia clásica, fábulas africanas e historia, López pretende mostrar a través de sus fotografias « la textura del subdesarrollo », la América mestiza y su visión personal de la identidad Argentina y sus tradiciones.

Entrevista Milton Becerra - Galeria 13 Jeanette Mariani

2011-04-12T08:18:00.007+02:00

Ale'ya

Design geométrico en piel

Milton Becerra - Drawing Now, Paris

2011-04-06T17:49:00.002+02:00

Stand Galerie 13 Jeanette Mariani

Drawing Now Paris 2011 - Le salon du dessin contemporain

Alfredo JAAR - galerie Kamel Mennour, Paris

2011-04-03T18:01:00.005+02:00

Desde hace muchos años, antes de que el arte político fuera una moda, Alfredo Jaar (1956, Santiago,Chile) investiga la naturaleza de las imagenes y el sitio que ocupa el continente africano en el mundo. La relación entre el espectador y la imagen, como la posibilidad de realizar una obra de arte a partir de eventos que son ocultos o deformados por los medios de información. Viaja y elabora trabajos en los que a través de las intervenciones públicas, las instalaciones, las fotografias y videos denuncia la situación de diversos grupos humanos en situación límite por cuestiones políticas, sociales o económicas. Artista, arquitecto y realizador, Alfredo Jaar crea una obra compleja que no ha dejado de considerarse polémica. Una polémica que ha estribado no tanto en los problemas que denuncia, sino en la resolución formal de esa denuncia. Sin embargo, a pesar de ello, nos ofrece imagenes memorables, politicamente intensas.

En el impecable espacio de la galeria Kamel Mennour, el artista chileno, que no expone en París desde hace veinte años, presenta un número de obras voluntariamente reducido con un recorrido no cronológico. Ofrece una multitud de interconexiones e incluye una mirada al desarrollo formal y temático que ha depurado desde 1979 hasta el presente, que conforman un espacio melancólico y reflexivo. La muestra presenta dos nuevas obras: Three women, una instalación, formada de seis focos y trípodes que dirigen una iluminación sobre los rostros de tres mujeres notables, Graça Marchel (Mozambique), Ela Bhatt (India) y Aung San Suu Kyi (Birmania), con quien abriga un proyecto momentaneamente obstaculizado por el rehuso de un visado birmano; Du voyage, des gens, el único video de la exposición, hace referencia al hostigamiento de la policia y a la expulsión de los gitanos en Francia. Muestra, una violinista gitana, tocando un instrumento antiguo en la plaza del Centro Pompidou. Esta imagen, simple y sin palabras, de esta música ambulante en pleno París se destaca a través de ese halo de luz, a semejanza de los rostros de las militantes iluminados a través de los focos.

Esta exposición, es también, la ocasión de rever algunas de las primordiales obras de Jaar, que obsesionado por la manera de como miramos y pensamos las imágenes adapta la forma (esculturas, instalaciones, videos, fotografias...) a un pensamiento político y filosófico que lo llevan a realizar obras ampliamente conocidas, como sus trabajos sobre los mineros brasileros, el genocidio de Ruanda, la catástrofe de Bhopal. Especialista de las instalaciones eminentemente políticas, Jaar se consagra especialmente al continente africano a quien lo une una pasión personal derivada sin duda de sus multiples viajes. Analizando la portada de los periódicos y revistas americanos, nos demuestra que solamente hay tres temas que cautivan a los periodistas: los animales, el sida y la miseria. A través de los medios, es fácil malinterpretar a este continente como una sola entidad con innumerables problemas. Esta representación reduccionista del continente y la falta de intervención en sus problemas se encuentra en el centro de las obras de Jaar, que, de manera prudente, examinan las delicadas líneas entre el valor del impacto y el valor humano, entre lo visible y lo implícito.

La perspicaz selección, que habita las cuatro paredes de una de las salas, presenta obras que tratan temas africanos, revelan el constante interés de este artista en abordar la representación de África en los medios y las dificultades que presenta el reporterismo gráfico. Entre ellas, la obra monumental de 1996 Searching for Africa in Life, ordenada en cinco paneles verticales muestra las 2158 portadas de la revista Life desde el primer número hasta el número correspondiente ha la fecha de realización de la obra. Agrupadas en un solo panel, From Time to Time (1996) nueve portadas de Time magazine, muestran animales salvajes de Africa (leones, leopardos...).

Jaar presenta, al mismo tiempo, en el patio vidriado de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París su instalación The Sound of Silence (2006). A pesar de que la obra fue escrita en 1995, el artista sólo pudo crear la instalación diez años más tarde. Utilizando un lenguaje nominal, Alfredo Jaar narra brevemente la vida del fotógrafo Kevin Carter, su ingreso al reporterismo gráfico y su intempestivo suicidio tres meses después de que su fotografía le valiera el premio Pulitzer. Sound of Silence ha estado presentada en el mundo entero desde el 2006.

La aproximación de Jaar, con una visión verdaderamente política, está dada a partir de la conservación de un patrón general de la tragedia clásica, en donde la imagen por sí sola logra denunciar la violencia, a pesar de la ausencia de lenguajes. Su obra se ha caracterizado por develar ciertas situaciones que de otra manera permanecerian ocultas. Procediendo por acumulación de textos y de imagenes, el artista busca interpelar al espectador, pero siempre dejandole la responsabilidad de la interpretación. Un encuentro, resultado de una manifestación colectiva y silenciosa, de una especie de cima sembrada literalmente de cruces.

Eduardo KAC - Le Centre des Arts, Enghien-les-Bains

2011-03-22T17:00:00.001+01:00

Life, Light & Language

El bio-art es una de las más recientes corrientes desarrolladas por el arte contemporáneo cuya particularidad es la de asumir la biotecnología como un medio. Cultivo de tejidos vivos, genética, transformaciones morfológicas, construcciones biomecánicas son algunas de las técnicas utilizadas por los artistas del bio-art. Planteando cuestiones éticas y sociales al desarrollo en biotecnología, ésta experimentación puede implicar al propio cuerpo de los artistas (cultivos en la piel, transfusiones de sangre animal).

Eduardo Kac (Rio de Janeiro 1962) es uno de los iniciadores de ésta corriente donde las producciones artísticas se apoyan en la ingeniería genética para producir piezas que son, en realidad, creaciones de seres vivos a partir de la manipulación de sus genes. Artista internacionalmente reconocido, también, por sus instalaciones interactivas en internet ha desarrollado a través de su trabajo una semántica dirigida hacia lo que tiene vida. Pionero en los años 80 del arte de la telecomunicación antes del surgimiento de internet, desarrolla una obra donde lo cientifico se relaciona con la poesia, la gráfica y la animación.

La exposición « Life, Light & Language » es una perfecta introducción a su obra. Reúne, en un cuidado montaje, una selección de importantes trabajos: « lagoglyphs », videoinstalación, objetos diversos, e incluso litografías. La relación entre lo fisico y lo virtual es imprescindible en la obra de Kac. Estos aspectos, visibles en los interesantes hologramas con texto, conocidos como holopoesías se presentan, desde otras estrategias discursivas, en las piezas realizadas entre 1989 y 1996: las telecomunicaciones y la telepresencia. Teletransporting an Unknown State (1994-96) es una proposición de telecomunicación numérica, que establece una relación entre lo digital y lo biológico. Presentada en una sala en penumbra, un gran zócalo alberga en su interior una planta capaz de mantenerse con vida gracias a la localización de un usuario en internet que determina el proceso de fotosíntesis de la planta, en función a la incidencia de luz que define dicha localización geográfica.

Eduardo Kac, propone un « arte transgénico » a base de organismos genéticamente modificables solo para fines artisticos.Un ejemplo de este arte fué su proyecto GFP Bunny 2000,un conejo fluorescente de color verde, llamado después Alba que aportó al artista controvercia y celebridad. Ultimamente ha creado una nueva forma de vida, un « plantimal » al que ha llamado Edunia. Desarrollado entre el 2003 y el 2008, esta obra titulada « Natural History of the Enigma» es un híbrido del artista y de una petunia, un acto de fusión transgénico entre el humano y el vegetal. Inventada gracias a la biologia molecular, Edunia no existe en la naturaleza y solo manifiesta el ADN del artista en las venas rojas de sus pétalos, una planta, resultado de la manipulación molecular. « Natural History of the Enigma» es una serie que incluye más allá de la flor, fotografias, litografias y esculturas. En previsión del futuro de Edunia, Kac a creado la serie « Edunia Seed Packs » sobres que contienen semillas para ser cultivadas y no hay de qué inquietarse, encontrará toda la informacion necesaria para su cultivo.

Su obra es un estímulo para las interacciones de diálogo y confronta problemas complejos como la identidad, la comunicación, la mediación y la responsabilidad. Le interesa que el espectador tome parte en situaciones donde participan elementos como la video conferencia, la luz, el lenguaje, la video, el intercambio y la transformación de la información. Eduardo Kac propone interrogar nuestra relación con la naturaleza y nos ofrece la posibilidad de perturbar virtualmente el medio ambiente a través de dispositivos tecnológicos.

Rosario Bond - galerie Adler, Paris

2011-02-27T15:42:00.001+01:00

Ser libre, para un artista, es digerir poco a poco las influencias, estar abierto al mundo pero sordo a las sirenas de la moda, con el fin de alcanzar su verdad. Es lo que mostró la exposición « Wishful Thinking » de la artista Rosario Bond -Republica Dominicana- en la galeria Adler, Paris. La muestra comprendió, de una parte, lo más destacado de su obra previa en una selección de importantes trabajos que enmarcan parte de su trayectoria como artista, e incluyó una mirada al desarrollo formal y temático que ha depurado desde la década de 1980 hasta el presente.

Bond encuentra su verdadero lenguage: materia torturada, pincelada violenta, suntuosidad de colores. Llenas de formas vagas, impacientes, seductoras, a veces reconocibles y perfectamente dominadas constituyen un acontecimiento de lo afectivo, lo perceptivo y lo reflexivo. La visión de la artista aqui llega a la síntesis de su propia experiencia creadora manifestada en encuentros plásticos desprovistos de toda retórica.

Al desandar los caminos de esta pintora es inevitable hablar de la conexión artistica entre Bond y el neoexpresionismo. En sus telas se siente la ascendencia de Lüpertz, Polke, …. más que en las sutiles distorsiones de su dibujo, en la aplicación del color con intensos contrastes cromáticos. Recurre a la pincelada gestual, gruesa, su paleta busca la acidez combinatoria, así como los contrastes de tonos fríos y cálidos, y en otras ocasiones explota las gradaciones de un color. La simplicidad de los fondos es intencional, solo se detiene en unos pocos elementos que denotan los entornos para intensificar el contraste fonfo/figura. En su obra, la mancha y el color aparecen como estrategias discursivas cuasi expresionistas que vinculan la obra a lo inconsciente.

Bond trabaja como la guía de una expedición fantástica, presentando ante nosotros sus grandes telas como recorridos por una zona sutil e íntima que incita a la contemplación. Sus composiciones, se caracterizan por las fuertes tonalidades monocromas de fondo, las que aportan a la obra un matiz sensible que precisa la impronta del artista, donde el vocabulario, discreto, deja lugar a motivos puramente líricos, con colores prismáticos, impresos subjetivamente por dinámicas pinceladas.

Un cuadro de Bond es en primer lugar un espacio de trabajo, donde deja aflorar como en la serie « All my friends » a través de la repetición insistente de capas sobre capas de pintura, el film de una construcción abierta. Los colores se entrelazan sin sacrificar ninguno. Complejidad y multiplicidad de fuentes iconograficas participan en la obra. La artista se adueña de los recuerdos de infancia, de la vida cotidiana, donde realidad y ficción de esa mitologia inventada se frecuentan libremente. Lineas y color, danzan sobre la superficie, presentando una animada colección de formas definidas por los rojos, ocres, verdes y violetas. Colocando capas de pigmento que se filtran y fluyen sobre la superficie, crea una expresión táctil y extraordinariamente evocadora. Sus obras permiten interpretaciones infinitas, son espacios, en los que el espectador participa sensorialmente y emocionalmente.

Esta caligrafía seminal, deja un sentimiento de una gran ligereza, donde el onirismo de los motivos son atraidos y aprisionados por ese fondo. El juego en tensión, de los dos elementos, el estatismo del fondo opuesto a las enérgicas pinceladas empastadas de color, hacen emerger con vibración el movimiento creado por el paso del pincel, dejando ver el gesto, la huella vigoroza de su intervención.

Dinámica y poderosa, entre la figuración y la abstracción, su obra parece subitamente unificarse en lienzos donde se distingue en primer lugar, una abundancia de materia de donde se extrae poco a poco el motivo: un rostro - »Brigitte »-, flores - , »Le jardin aux fleurs »-, un mono - »The monkey see-monkey do ». Grumos, manchas, derrames, cada accidente provocado es instintivamente recuperado, metamorfoseado en un ballet cósmico. Más allá de la forma humana, de las naturalezas muertas y de los paisajes, que le han servido de punto de partida, es la energía que preludia a toda forma de vida y cada una de sus composiciones estalla e irradia.

Usando colores vivos pero elegantes, combinandolos con gran magisterio, Bond, logra construir refinadas tensiones y armonias. Una pintura abstracta de fuerzas y energías enormes que no obligan a «ver » una historia, solo crean verdaderas complicidades.

Dario Pérez-Flores - galerie Denise René

2011-02-12T17:21:00.005+01:00

Ritmo, color ... divinas vibraciones

La obra de arte debe ofrecer un acrecentamiento de libertad, es decir un espacio, el más amplio posible. Observando la obra de Darío Pérez-Flores, deambulando en el centro de sus variaciones geométricas fundadas en sus formas ortogonales, resentimos la inmensidad del espacio. Toda una vida de artista atenida a composiciones rigurosas, estrictas, que han evolucionado lentamente jugando con los contrastes de colores vivos y en especial el más radical de entre ellos: el negro y el blanco.

La reciente retrospectiva presentada en la galeria Denise René comprendió lo más detacado de su obra con una selección de importantes trabajos que enmarcan lo que ha sido su trayectoria como artista, e incluyó una mirada al desarrollo formal y temático que ha depurado desde la decada de 1970 hasta el presente y que atestiguan de manera ejemplar la « búsqueda « del artista.

Es indudable que su singular obra lo ha perfilado como uno de los principales artistas del movimiento constructivista-abstracto latinoamericano y del arte cinético originado en París. Con una obra que denota la madurez y solidez de su particular discurso, que desde finales de los años setenta no ha dejado de evolucionar. Así pues, para comprender el tránsito conceptual de su obra no solo se debe remontar a su carrera artística que comenzó en Venezuela en 1961; sino también en ese grupo de artistas extranjeros y sobre todo argentinos y venezolanos, que en los años 50 abrieron nuevos caminos en el arte.

La solida formación académica adquirida en la escuela de Artes plásticas de Valencia, le llevó a participar en los salones de artes plásticas y escultura experimental, en su Venezuela natal. Por aquel entonces, las obras realizadas en ese corto periodo entre 1961 y 1970, fueron solo esculturas en plexiglás con elementos móviles intercambiables y ausencia total de color. Esta carencia de color lo acompanará a París y se verá reflejada en las primeras obras cinéticas con movimiento vertical, hasta 1976 año en que introduce el color.

Cuando Pérez-Flores se instala en la capital francesa en 1970, el arte cinético y el arte geométrico ya forman parte de la historia que comenzó con un grupo de jóvenes latinoamericanos que gravitaban alrededor de la galería Denise René: Le Parc, Garcia Rossi, Sobrino, Soto, Cruz-Diez, entre otros. Sus búsquedas estaban orientadas a las síntesis de las artes, a las formas geométricas que se pasean en medio de reflejos, luces y sombras. Al movimiento virtual o real que es logrado por el viento, la electricidad o el desplazamiento del espectador. A los elementos extrapictóricos que llenan el universo de esos artistas: el color y el movimiento, los actores principales. Es el comienzo de una explosión creativa en la que los latinoamericanos ocuparán un sitio preponderante y participarán activamente en el nacimiento y desarrollo del arte óptico-cinético. En ese contexto, trabajado por esos artistas, Pérez-Flores comienza un largo y arduo camino de investigación. Estudia, analiza las teorías científicas del color, « El tratado de los colores » (die Farbenlehre), la Bauhaus, el Stijl. Con estos precedentes inicia una carrera practicamente en solitario, aunque con firmes contactos con los integrantes del movimiento.

Durante más de veinte años ha desarrollado una trayectoria ejemplar. Investigador incansable, nunca se ha agotado ante la versatilidad del color, la linea, el plano y el espacio en clave ambivalente que conjuga la materialización y desmaterialización de estos elementos, haciendo de ellos un acontecimiento estético. Hay en su obra hilos conductores definitorios, como la presencia insoslayable del color y de una técnica muy personal que, tanto en el dibujo como en la pintura, crea en el soporte un tejido finisimo de lineas, las que surgen misteriosamente tomando cuerpo desde la materia misma de los pigmentos. Este pacto con el color conduce a Pérez-Flores, a mediados de los años 80, a la creación de una vasta serie que denomina « Procromáticos », cuadros o relieves en los que los elementos verticales dominan, confirmando así, su compromiso con el color que comenzó en 1976. Ellos representan, además de la búsqueda del movimiento y de la verticalidad, la búsqueda de la armonía de los colores en progresión mediante la degradación.

Invadiendo el espacio de la galeria los « Procromáticos » parecen moverse, como consecuencia de la atmósfera creada por las coloridas y sólidas lineas verticales, provocando en el espectador que se desplaza delante de ellas, una nueva solicitación sensitiva, óptica y emotiva. En efecto, en estas obras que atraen la mirada hacia el centro, la sensación espacial debida al arreglo cromático dinamizante, prima sobre la sensación cinética de desplazamiento delante de la obra.

Indudablemente, el trabajo creativo de Pérez-Flores se asienta en una investigación constante sobre las relaciones existentes entre el hecho creador y el acto perceptivo. Para el artista, siempre ha sido importante deslastrar al espectador de la sumisión perceptiva, creando obras participativas en las que el espectador completa con o sin su desplazamiento la experiencia estética. Llama la atención, en el conjunto de obras que conforman la muestra, el poder que ejerce Pérez- Flores en el visitante, al que incorpora en una tarea lúdica durante la cual se completa la obra. Una serie de obras, en las que verifica su interés por propiciar la participación activa del espectador, llevando ésta a las últimas consecuencias a partir del uso de la tecnología. La elaboración del conjunto de su obra solicita un trabajo previo, largo y minucioso. Una obra pensada y fundada en primer lugar en la reflexión en relación al color donde Pérez-Flores reúne sus colores en finas láminas ceñidas, creando una « imagen móvil » basada en el efecto de las imagenes residuales de la retina y en su interactividad con el entorno.

Así, la obra global de Pérez-Flores, manifiesta el vigor y la eficacia de su particular maniobra constructiva en torno a la mecánica de la pintura, desde una selecta paleta de colores. Una obra meditada, resultado de su interés por las variantes compositivas de la forma y del color en el espacio donde la ciencia es para el artista la proyección de la expresión que le permite cumplir con su objetivo. Un trabajo revelador de su intención: la de modificar el espacio. Es el caso de la serie « mobile » 2004 donde los elementos cilindricos o poligonales giran independientemente y a una velocidad diferente. En resúmen, un trabajo donde la armonia se entrelaza con las figuras geométricas con el fin de construir el conjunto de su producción. Siente que el gesto mismo, el hecho físico de pintar, su relación con los materiales, con los colores y con las formas que éstos proponen, son la razón de ser de su producción artistica. Por eso, más que de una composición, podria hablarse de una organización cromática que otorga al cuadro un verdadero poder de seducción, una emoción simple, la que se experimenta cuando se contempla la vibración luminosa restituida por el artista.

Gabriel Orozco - Centre Pompidou Paris

2011-02-03T09:10:00.001+01:00

Gabriel Orozco - Jalapa, México 1962- hace del problema de entender e interpretar el arte a través de los limites, un tema principal de su obra. Cada uno de sus actos de expresión y reacción personales frente a un ambiente especifico y cada movimiento suyo de un medio, idioma o lugar, parecen introducirse directamente en este problema central. Su obra siempre está fuera de lugar y en su lugar. Describirla es casi imposible, por la simple razon de que no hay nada que podamos llamar « su estilo ». Cada obra es la realización plástica de una idea o de un deseo diferente y responden a una impulsión que viene de una cosa vista, de un lugar o de una situación. Su trabajo se caracteriza por la diversidad de las técnicas que emplea: dibujos, fotografias, videos, esculturas, instalaciones, trabajadas con libertad, fluidez y soltura.

Cuatro instituciones colaboran para producir esta excepcional exposición: el Centre Pompidou de Paris, el MoMA de New York, el Kunstmuseum de Bâle y la Tate Moderm de Londres, las que muestran un cierto numero de obras en común. Sin embargo, cada museo propone desarrollar, en estrecha colaboración con el artista, un aspecto singular de su trabajo. Ocupando la galeria sud del Centre Pompidou -que representa la tercera escala de la exposición itinerante- de grandes ventanales vidriados, la instalación elaborada por Orozco propone un dispositivo inédito basado en la idea del taller. Sin comentarios, ni denominaciones, las obras presentadas con sencillez, muestran el instante de creación. Para la ocasión, el artista, que actualmente alterna su residencia entre Nueva York, México y Paris, se implicó estrechamente en la concepción del recorrido de las ochenta obras, muchas de las cuales jamás fueron mostradas en Francia. En una casi penumbra, los objetos-esculturas son colocados en dos segmentos de lineas paralelas y misma longitud. Uno, compuesto de mesas de trabajo para los pequeños objetos y el otro formado por las obras voluminosas en el suelo. En el muro, perpendicular a esas dos lineas, una presentación lineal de fotografias, dibujos, collages y pinturas. Obras emblematicas, piezas menos conocidas o recientes, como las esculturas realizadas a partir de troncos encontrados en el desierto mexicano.

En muchas de sus obras, Orozco enfrenta lo familiar con lo extraño. Objetos encontrados recontextualizados, reconfigurados y manipulados incluyen serpentinas de papel higiénico a medida que forman un remolino en las aspas de un ventilador de techo, un ascensor depositado en el piso del museo, un grupo de bicicletas entrelazadas, un tablero de ajedrez en donde solo hay figuras de caballeria para jugar. El interés por lo organico, el circulo, la expansión y el cosmos estan presentes en la serie « Atomists » -1996-, fotografias de deportistas, tomadas de diarios britanicos sobre la cual el artista imprimió motivos circulares. Estas formas resultan de la ampliación de puntos de Benday individuales de la impresión para crear las composiciones elipticas y circulares de un solo color sobre las imagenes.

Como nómada, Orozco no parece solicitarle fidelidad o un hogar a una cultura o nacionalidad en especial, pero tampoco se aleja ni se coloca por encima de todas las culturas o nacionalidades; más bién, se compromete con varias de ellas. Casi en todos los casos, inciste en hacer obras que no sean universales ni regionales, sino que puedan involucrar multiples contextos e interpretaciones. « My hands are my heart « -Mis manos son mi corazón-, en la cual el artista deshace un pedazo de terracota y le da forma de corazón, tiene sentido como metáfora que simboliza la conexión con la tierra, que bien puede ser la de México o la de cualquier otro lugar. Orozco no desvia la función original del objeto, la reinterpreta. En « La DS », un auto citroën DS al cual le rebano la parte central para unir luego los dos lados, como en « Elevator » una cabina de ascensor desmontada y reducida a talla humana, el artista realiza la reducción de un espacio cotidiano en cuya relación con los objetos hay una actitud que tiende a revertir el orden predecible que se le otorga a éstos, actitud que inquieta al visitante frente a la pérdida visual de su función habitual.

Mezclando arte y realidad, perturbando el límite entre el objeto de arte y el medio ambiente, donde la magia y la transformación toman forma frente al espectador, Orozco hace de este encuentro un instante inolvidable, simple y conmovedor.

Eduardo Kac – Le centre des arts, Enghien-les-Bains

2011-01-28T19:22:00.006+01:00

Life, Light et Language

Artista internacionalmente reconocido por sus instalaciones interactivas en internet y la práctica del bio arte, Eduardo Kac ha desarrollado a través de su trabajo una semántica dirigida hacia lo que tiene vida. Pionero en los años 80 del arte de la telecomunicación avant-internet, desarrolla una obra donde lo cientifico se frecuenta con la poesia, la gráfica, la animación.

Eduardo Kac, propone un « arte transgénico » a base de organismos genéticamente modificables solo para fines artisticos.Un ejemplo de este arte es su proyecto GFP Bunny 2000, un conejo fluorescente de color verde, llamado después Alba.

Ultimamente ha creado una nueva forma de vida, un « plantimal » al que ha llamado « Edunia »: un híbrido del artista y de una petunia. Desarrollado entre el 2003 y el 2008, esta obra titulada « Histoire Naturelle de l'Énigme » prefigura la exposición « Life, Light & Language » que muestra un recorrido de obras híbridas.

Eduardo Kac, utiliza diferentes soportes para crear formas hibridas a partir de sistemas de comunicación existentes. Le interesa que el espectador tome parte en situaciones donde participan elementos como la video conferencia, la luz, el lenguaje, la video, el intercambio y la transformación de la información.

Su obra es un estímulo para las interacciones de diálogo y confronta problemas complejos como la identidad, la comunicación, la mediación y la responsabilidad.

Entrevista con el artista del dia 20 de enero durante la preparacion de la exposicion en el Centre des Arts.

Vik Muniz - Galerie Xippas, Paris

2010-12-31T12:12:00.002+01:00

Plantear una visión general de la obra del artista brasilero Vik Muniz puede resultar complicado debido a la variedad de sus formatos y soportes que complican cualquier intento de lectura , sea por su riqueza iconográfica o por los diálogos e influencia histórica. Desde mediados de los años 1990, ha adquirido un reconocimiento internacional por las obras fotográficas que crea a partir de materiales de uso cotidiano -chocolate, azúcar, hilo metálico, confitura, tierra y diamante-. Esas imágenes, inspiradas de la actualidad, de la historia del arte o de personajes célebres, son a la vez familiares y enigmáticas. Se presentan, primeramente, como proposiciones visuales plenas de espiritu e interrogan la manera de como la información visual es construida, presentada y percibida por el espectador, quien también debe considerar la relación entre la imágen y el material en el que está interpretada e ir más allá de la respuesta inmediata al tema en sí.

Re-materializar imágenes o cuadros célebres para fotografiar el resultado, es una labor familiar al artista. Sus series de reproducciones recurren cada una a un material privilegiado: desperdicios por el Saturno devorando sus hijos de Goya (« Pictures of Junk »,2005), mantequilla de cacahuete por la Mona Lisa de Warhold (1999), como también la utilización de la tierra («Pictures of Dust», 1999), de diamantes («Pictures of Diamonds», 2004) y de caviar («Caviar Monsters», 2004) ! Cada uno de esos materiales da cuerpo a cada pintura en cuestión y sorprende a la mirada intelectualizada que se tiene de esas obras. La obra se brinda a la contemplación para ser admirada.Vik Muniz desafía nuestro modo de ver, y lo familiar se convierte en algo para la contemplación, de acuerdo con un conjunto de reglas y asociaciones totalmente diferente. Ni los individuos ni los materiales de los que están hechos son casuales. Al principio, las obras de Muniz parecen documentos, esencialmente, retratos o sujetos que comunican algo acerca de personas o lugares en una forma convincente, contemporánea, y en los que su identidad o significado son primordiales.

En su quinta exposición presentada en la galeria Xippas-Paris-, Muniz presentó dos conjuntos de fotografias. Una primera serie inspirada de imágenes emblemáticas de la pintura: la Mona Lisa de Leonardo de Vinci, La Grande Jatte de Seurat, Guernica y Les Demoiselles d’Avignon de Picasso, que recompone a la manera de un rompecabezas, juntando las piezas sin imbrincarlas. Cada imagen es realizada gracias a varios rompecabezas de la misma imagen, pero donde los recortes efectuados presentan una infima diferencia entre ellos. Vik Muniz coloca la centena de piezas sin encajarlas de manera a rediseñar los contornos de la imagen y asi volverla reconocible. La segunda serie, inspirada de los cliché de Brassaï , André Kertész, Robert Frank, Weegee o Andreas Feinninger, interrogan la relación cultural y afectiva que se tiene con la fotografia en blanco y negro. Estas imagenes son reproducidas por la superposición de papeles recortados de diferentes matices que varian del negro al blanco, pasando por los diferentes tonos de grises. Si cuando se mira de cerca el resultado parece grotesco, cuando se toma una cierta distancia las imagenes son perfectamente identicas a las fotografias originales que lo inspiraron. En pocos segundos identificamos la obra, notamos la perturbación que la estructura, que la ordena, pero inmediatamente reconocemos el original. Al examinarlos más de cerca, estos sujetos no son lo que parecen, la fotografía ha sido manipulada con el fin de subvertir su identidad y reforzar su significado.

A través del proceso de creación de esas imágenes, Vik Muniz reviste todos los roles. Alimentando un temperamento travieso e impregnado de ironia, es a la vez, pintor, escultor, fotógrafo y teórico. Reforzando nuestro sentimiento de familiaridad con las cosas, Muniz « trompe l'oeil », da una apariencia engañosa. Mientras que en primer lugar sus obras muestran una imagen sensual y ambigua, a la vez, interrogan los procesos de percepción visual. Estimula la duda y nuestra capacidad a mirar las cosas y como analizarlas. La visión es una forma de inteligencia y la identificación un modo de bienestar. Sus imágenes nos confortan en lo que respecta nuestro sentimiento de familiaridad, pero sobre todo, nos hacen capaces de invertir el proceso de identificación.

Pablo Reinoso - Descontextualizar los objetos

2010-12-21T10:04:00.004+01:00

Pablo Reinoso en su taller

La audaz obra de Pablo Reinoso-Buenos Aires, 1955- trabaja desafiando la percepción, juega con la ilusión y con la participación del espectador, ofreciendo un marco para la reflexión. Artista, diseñador e investigador, Reinoso podria describir su devenir como « de esta vida y otra » por la manera en que, siendo argentino, ha desarrollado gran parte de su vida, familiar y profesional, en Paris, donde lleva ya más de tres decadas, sin perder nunca los vinculos con su pais de origen.

Su trayectoria artistica comenzó cuando era adolescente, tiempo en que abrazó la escultua, « los fines de semana los pasaba con mi abuelo en su taller de carpintería y fotografía y cuando cumplí los seis años, me regalaron un banco de carpintero; fue maravilloso »*. Si bien sus primeras obras en materiales tradicionales, piedra, madera y metal hacen eco de formas orgánicas con acentuados perfiles curvilíneos, como « Virapitá », « India muerta » de 1975, o la serie escultórica « Caderas » 1977, -en lapacho negro-; a principio de los años ochenta se denota en su producción una filiación con el arte minimalista en el sentido de que la forma llega a una síntesis total - lineas depuradas y simples - entre las que se destacan, « Espace vide » y « Site ».

Huge Sudeley Bench

Plantear una visión general de la obra de un creador tan prolifico puede resultar complicado: la variedad de sus formatos, sus soportes y sus experimentaciones estilisticas complican cualquier intento de lectura historica de corte desarrolista o evolutivo. Su riqueza iconografica, sus diálogos y su alta productividad, pueden poner en aprietos a cualquier historiador o critico. Además de su vasta obra escultórica, Reinoso ha dedicado una parte considerable de su carrera artística a la producción de obras de grandes dimensiones para espacios públicos - Japon, villa Fukuroi - mostrando un interés por la inserción del arte en el contexto urbano como ocurre con la serie « banc spaghetti » donde la resonancia con la arquitectura es fundamental. La idea de los bancos espaguetis surge luego de años de investigación del artista, con las variaciones escultóricas hechas a partir de las sillas Thonet, en particular la nº14, de 1859. Empezó con la serie Thoneteando; luego vinieron las sillas de vestir, las Prêt à Thonet; luego las Prêt à manger, las sillas para comer; los videos Thoneteando, y las Luthoneterias o sillas musicales que hizo especialmente para el grupo Les Luthiers. Las piezas que participan en estas instalaciones, estan desprovistas de cualquier detalle y sintetizan los rasgos esenciales de un banco tradicional. Algunos alcanzan proporciones monumentales, y se erigen como una poderosa escultura de hierro en el espacio público. Las superficies de hierro que la conforman ostentan una geometria precisa y monumental que contrasta con la vegetación que la circunda; se afirma ante el paisaje como una construcción del hombre, como una arquitectura escueta y austera, como un enorme y refinado trozo de metal del que surgen las huellas de la memoria, surge la sombra del paisaje ancestral, surge la anécdota como impronta de la memoria. Reinoso entra a reflexionar para explorar dimensiones de orden existencial y afectivo que atañen a la memoria y al espacio en el cual transcurre nuestra existencia. Colocados estratégicamente, dan lugar a una imagen que alude a la apropiación de un lugar.

REINOSO - Spaghetti Double low

Reinoso suele crear instalaciones según el lugar donde se haya programado exponer su obra. Asi, su producción cobra un caracter especifico, que podria parecer de una simpleza absoluta, pero que cobra complejidad en la medida en que construye conexiones formales de volúmen, simetria y ordenamiento lógico. En los elementos que involucra, orquestra una dialéctica bien pensada, directa y clara, lo que denota una intencionalidad programada y de trasfondo esquemático. Nada es aleatorio ni imprevisto, no deja nada al azar. Cada obra es una estructura calculada en sus partes y en su conjunto. Reinoso maneja sus medios, recursos y elementos con la autoridad de quien sabe lo que está haciendo, y en consecuencia, está previsto el resultado. Desde el punto de vista conceptual, llaman la atención nociones como « equilibrio », « luz », « tiempo », « espacio », « velocidad », que son importantes a la hora de poner cada elemento teniendo en cuenta su papel como parte integrante de la obra.

Thoneteando

En Reinoso se pone en evidencia su capacidad para inventar o apropiarse de los recursos estéticos y tecnológicos necesarios a fin de poder articular y poner en práctica sus ideas. » Las técnicas parecen, se desarrollan, cada proyecto aporta algo y sé ademas que es fundamental cambiar de optica, de rutina, de pensamientos. Hay que abrirse, siempre. Ya que uno el propio fondo no lo modifica, pero la apertura lo ilumina, y deja de ser fondo para transformarse en un mundo interior que el otro percibe »*.

Ligne bleue 1996

Durante años trabajó los materiales tradicionales de escultura, utilizando el peso y la rigidez de la madera, piedra y metal para expresar lo intangible, hasta 1995 donde un cambio radical se produce en su obra. « Fue un momento personal, de crisis con un modo de trabajo, donde lo pesado, el polvo, la dificultad de mover la obra, de venderla, me habían saturado. Vivir como pintor es difícil, pero como escultor es mucho peor. Decidi que paraba y que debía inventar otro camino. Así fue como abri nuevas puertas. Me gustó la metafora del aire, de lo liviano, en contra posición de lo anterior *. Estas instalaciones en tela, divididas en tres tipologias respiratorias metafóricas: Respirantes, Persistantes o Contractantes envuelven el aire, ese elemento abstracto, amorfo, invisible, para expresar una realidad física palpable. Por ejemplo, los Respirantes, dotados de un ventilador cuya alimentación eléctrica se interrumpe a intervalos regulares quedan atrapados en un ciclo sin fin de movimientos mecanizados, suaves, casi imperceptibles se inflan y desinflan creando una respiración visual y auditiva que los hace conmovedores. Con el tiempo, realiza algunas que se presentan como dispositivos más absolutos (El consultorio del Dr. Lacan, 1998), cuestionando -sobre todo- la mirada sobre sí mismo a través de la introducción de nuevos materiales como los espejos (L’Autre c’est moi, 1998; El Observado, 2002). Los elementos en tela son formas en movimiento que contrastan con la estructura sólida de la madera o el metal, entre orgánica e inerte, como en Las Meninas, Ejercicio horizontal (dispositivo escultórico, 2000). En los 90, Reinoso se afirma también como diseñador. Diseña mobiliario y objetos, especialmente desde 1997, cuando comienza una nueva actividad -entre la estrategia comercial y el arte- dentro del grupo LVMH. Se hace cargo de la dirección artística de Parfums Givenchy en 2000 y de Parfums Loewe en 2002, posición desde la cual diseña frascos de perfume y líneas de cosméticos.

El rastrillo de freddy

Su obra se revela como una meditación sobre lo manual y el oficio, que hoy dia son revaluados por el arte como una reacción critica a la excesiva virtualidad de los soportes electrónicos y como consideración del oficio, que fuera tan caro a la creación de arte moderno. Se puede decir que su obra queda como una demostración de las posibilidades del material y su manejo, una forma de redefinir el arte como técnica pura -tekne-. Es el ejemplo del homo ludens que experimenta con materiales y formas para reunir los conocimientos de una práctica, sin rasgos simbólicos, que lo acercan a la estética minimalista. « Los materiales determinan. Hay que saber si uno quiere que determinen algo de la obra. No deben dominar la obra. Los uso, los conozco y los aplico como un pintor pone un color. Además como diseñador, ignorarlos no existe ».*

La Parole 1998

Reinoso toma como punto de partida, para ir en pos de una original mirada, la descontextualización de los objetos por la vía del rompimiento de sus cualidades utilitarias. Siempre dispuesto a reelaborar lo preexistente, el artista hace estallar la herramienta más alla de lo previsto y es capaz de infundir un alma a los transformados objetos que fabrica. La profunda mutación que sacude a sillas, bancos, zapatos, advierten sobre algo oculto por ser explicado. Su obra contiene toda esa singular energia de lo creado que evoca no solo otras disciplinas sino también maneras distintas de ver. Su aproximación a los objetos, denota un creador que ha sabido traducir de modo manifiesto los distintos lenguajes expresivos.

Artista sensible, detras de su obra se halla un complejo ámbito de relaciones que caminan por lo biografico, por su vínculo con la historia del arte y por el mundo del psicoanálisis que anuncian el triunfo absoluto de la imagen.

*Entrevista con Pablo Reinoso, por Patricia Avena Navarro, mayo 2010

Dias & Riedweg, Galerie Bendana - Pinel, Paris

2010-12-12T20:47:00.001+01:00

Une chose-sa place
Autre place-autre chose

Tan pronto se ingresa a la galeria, el visitante se sorprende al verse rodeado de coloridas valijas, alineadas y expuestas sobre inmaculados pedestales. Tal sorpresa no es falsa ni negativa, y sin saber exactamente por qué, la sorpresa no desaparece. « Une chose-sa place - Autre place-autre chose » la primera exposición personal en Paris de Mauricio Dias -Rio de Janeiro, 1964- & Walter Riedweg -Lucerna, 1955-presenta una serie de doce video - valijas y photografias en homenaje a las « boîtes-en-valise » de Marcel Duchamp.

Artistas de muy diversas procedencias, trabajan conjuntamente desde 1993, año en el que decidieron emprender un proyecto común que partía de la premisa de que cada persona tiene una mirada única sobre el mundo que es necesario investigar.

Su obra pluridisciplinar se centra en la reflexión social donde uno de los aspectos más significativos es la apuesta por nuevas formas de desarrollar una problemática social, con un lenguaje simbólico y metafórico, casi abstracto, como despegado de la realidad cotidiana, como si tuviera otra lógica.

A lo largo de los ultimos años, Dias y Riedweg proponen una actividad que replantea la relación entre la ética y la estética a través de intervenciones precisas en determinadas situaciones individuales y colectivas, al estilo de una performance. Esta propuesta -y esta creencia- trae a la memoria el interés del artista brasileño Hélio Oiticica por ampliar las preocupaciones estéticas a la experiencia vital, como también cuando se habla de penetrar un espacio, su implicación con las festividades del carnaval de rio para crear el espacio de la sensación, o de otro tipo de reflexión.

Explotando como nadie los recursos multimedia de una manera espectacular, el video es la herramienta eficaz para documentar las actividades que proponen y registrar ya sea una narrativa ficcional o una realidad; la cual se torna visible en las diversas formas que adquiere la imagen en movimiento en las videoinstalaciones presentes en esta exposición: pequeños monitores de videos montados dentro de doce valijas, las que son el sujeto mismo del video. Estas videoinstalaciones enfocan las diversas formas de percepción y su vínculo con la imaginación y la memoria, tomando por base al visitante que, por diferentes motivos, podemos identificar como “el otro”.

Como lo explican Dias & Riedweg, los videos hablan de la migración del objeto de un contexto al otro. Desplazando las valijas a otro contexto geografico, éstas se convierten en otro objeto, viajan pasando de mano en mano por la ciudad que el espectador reconocera. Si bien « les valises pour Marcel » pueden interpretarse como un ensayo filosófico, las valijas migratorias no cuentan ninguna historia. Con un lenguaje simbólico y metafórico, casi abstracto, simplemente buscan un intercambio específico dentro de un grupo social, una inmersión, un encuentro con el otro, dejando la imaginación al libre albedrio del espectator.

"La epifanía del color" Miguel Mateo

2010-12-05T19:18:00.000+01:00

En su mundo creativo, Miguel Mateo se nutre de las tradiciones de Brasil. De igual manera, la suya es una propuesta mestiza y de encuentro de diversidades, con un profundo interés por la presencia del color en todos los aspectos de la naturaleza.

Sus composiciones, se caracterizan por las fuertes tonalidades monocromas de fondo, las que aportan a la obra un matiz sensible que precisa la impronta del artista, donde el vocabulario, discreto, deja lugar a motivos puramente líricos, con colores prismáticos, impresos subjetivamente por dinámicas pinceladas. Esta caligrafía seminal, deja un sentimiento de una gran ligereza, donde el onirismo de los motivos son atraidos y aprisionados por ese fondo.

El juego, en tensión, de los dos elementos, el estatismo del fondo opuesto a las enérgicas pinceladas empastadas de color, hacen emerger con vibración el movimiento creado por el paso del pincel, dejando ver el gesto, la huella vigoroza de su intervención.

Trozos de papel, lineas y color, danzan sobre la superficie, presentando una animada colección de formas definidas por los rojos, ocres, verdes y violetas. Colocando capas de pigmento que se filtran y fluyen sobre la superficie, Miguel Mateo crea una expresión táctil y extraordinariamente evocadora. Sus obras permiten interpretaciones infinitas, son espacios, en los que el espectador participa sensorialmente y emocionalmente.

Usando colores vivos pero elegantes, combinandolos con gran magisterio, logra construir refinadas tensiones y armonias. Una pintura abstracta de fuerzas y energías enormes que no obligan a «ver » / «leer » una historia, solo crean verdaderas complicidades.

La pintura abstracta parece aún que tiene cosas para mostrar ? Docere, Movere, Delectare (enseñar, emocionar, agradar) es según Horacio, todo lo que debemos exigir del arte.

Cruz Diez “Circunstancia y ambigüedad del color” - galerie Denise René - Paris

2010-11-29T13:50:00.000+01:00

El itinerario de Carlos Cruz Diez (Caracas 1923) es indisociable de sus búsquedas que comenzaron en 1959. Fundándose en la investigación del color y sus propiedades de reflexión creó la serie de obras llamadas “Physichromies” punto de partida de todo su trabajo. Precursor y actor indiscutido del arte cinético, a realizado una investigación y reflexión sobre la autonomía del color y sus mutaciones en relación al tiempo real. Proponiendo una obra donde el color revela su capacidad vibrátil y su poder luminoso. A través de la luz, la luz como energía, donde el ojo es solicitado y él mismo provocador de nuevas relaciones, hace vivir al espectador una serie de situaciones cromáticas puras. Situaciones, que representan a la vez el envolvimiento total del espectador por el color y su participación orgánica.

Desde que Cruz Diez en 1969 pasa a integrar la galería Denise René, ésta le consagra numerosas exposiciones individuales. 2010 marca los 50 años del artista en Paris, para conmemorar este acontecimiento la galería lo enaltece con la exposición “Circunstancia y ambigüedad del color” la que permite presentar a los visitantes los diferentes aspectos de su trabajo.

Las Physiochromies (1968), las Inductions chromatiques(1963), los Environement Chromointerférent y las espectaculares Chromosaturations elaboradas desde 1965, invitan a descubrir el recorrido del artista quien transforma el espacio ofreciendo al espectador la experiencia del movimiento y del color. La muestra se abre con un “Environement Chromointerférent”, que consiste en la proyección de franjas cromáticas paralelas que se superponen sobre el muro, los objetos y los espectadores. El individuo penetra en la obra y más aún dentro del color, estableciendose un verdadero diálogo entre las interferencias cromáticas que varian y las sombras obtenidas que permanecen constantes. Con ritmo sostenido, las obras, incitan a una experiencia directa con el espacio, color y volumen a través de sus desplazamientos y modificación de los ángulos de visión llevando vivamente a una participación activa. Conforme al principio de “una obra compartida” lo invita a devenir “el intérprete” de su obra la que tiene por objetivo producir en el espectador una sensación visual inédita sometiéndolo a una experiencia simple, directa e inmediata.

Su obra no figurativa aporta una nueva visión y un nuevo enfoque del color, para ello funda su trabajo en la relación: color-espacio-tiempo. Sus líneas y sus tramas no surgen del deseo de ser original, sino porque le permiten materializar de una forma impresionante, la naturaleza inestable del color y la intrínseca ambigüedad de la visión. Porque en el fondo, más que el color, el verdadero problema para el artista, es la visión del color. Las “Induction chromatiques”, “Physichromie” y “Chromosaturation” son el resultado de esta ecuación que preocupa al artista. Sus obras tienen por objetivo producir en el espectador una sensación visual inédita sometiéndolo a una experiencia simple, directa e inmediata. Monumentales o intimistas, en relieve o serigrafías, Physichromie o Chromosaturation, todas ejercen el mismo encanto insinuante. Obras remarcables, con las que se llega a penetrar en el universo muy particular del gran maestro de la abstracción cinética.

Una gran retrospectiva le sera consagrada en febrero del 2011 en el Museum of Fine Arts de Houston.

Vicente Grondona « La Reunión » JTM Gallery Paris

2010-11-23T13:10:00.000+01:00

La experiencia de visitar la primera exposición personal en París de Vicente Grondona-Buenos Aires 1977- denominada « La Reunión » es verdaderamente cautivadora. Para tales efectos el artista sacó el máximo de provecho a las cualidades topológicas del recinto expositivo en el que instala pinturas, dibujos y esculturas, con el propósito de redefinir el espacio de la galeria y acentuar así la teatralidad del sitio donde vivió y murió Molière.

Las figuras y narraciones que pueblan las pinturas presentes en esta « reunión », invitan a un viaje fantasmagórico y real ? como si se tratase de un hábitat, donde los personajes y los objetos forman un nuevo sintagma híbrido, con un encadenamiento de líneas y curvi-líneas diluidas como « paisajes desnudos » que provocan un despojamiento radical de todo tipo de alusiones previsibles. Sin narración aparente, aunque dejando entrever una ambigüedad que perturba, surgen del muro: una joven que abandona una isla, huyendo? o simplemente …, un grupo de jóvenes que se funden en el espeso bosque, o un enigmático tríptico donde el intrincado grafismo deja apenas percibir una naturaleza seca.

La personal manera de expresar el color, efecto stone washed,- cabe recordar la utilización de la lavandina por Grondona- de componer las formas y la organización de las mismas en el lienzo, nos hablan de una particular manifestación que al principio es espontánea, es parte del juego instintivo, pero que luego deja aparecer el sentido estético, el criterio artístico que termina controlando el conjunto para darnos una obra exquisita con técnicas de un sutil delineado y exaltados gestos auto referenciales. Un conjunto de lienzos que permiten verificar que la historia de la pintura está presente en la memoria del artista y que su obra es una búsqueda por establecer profundos vínculos con ella. Un trabajo que posee una refinada e íntima conexión con esa historia.

Las esculturas, obras individuales, aparecen simplemente en conjunto, reunidas por Grondona. Un trabajo escultórico donde se pone de manifiesto un doble proceso de acción sobre los materiales y los mensajes que decide codificar. Por un lado, crea una obra que demuestra la seguridad del trazo y la ligereza del gesto que debe asumir frente a la fragilidad del carbón vegetal. Modelados que nacen de tensiones y reposos, de sombras y luces, de volubilidad y pesadez; todas las facetas de una humanidad sumisa a la inmovilidad y el sufrimiento. Bustos y esculturas que parecen objetos compenetrados y familiarizados: una maga sacando la lengua, una pareja besandose y una biblioteca. Conjunto de libros, tinteros y pinceles que muestran un extraordinario equilibrio, una re-unión perfecta entre la forma, el material y el mensaje buscado en el conjunto. Allí reside la fuerza y la eternidad de su obra. Sin duda, es esa relación entre el carbón y el artista que da una verdadera contemporaneidad a la escultura. Reducida a un solo bloque mineral, juega con la imagen liberada de sus referencias.

Así, el espectador queda atrapado entre la intemporalidad de las escenas y los conceptos, donde habla el lenguaje del silencio y la contundencia se siente penetrando lentamente. El verdadero espacio del silencio, el que crea la obra misma, un sentimiento de aislamiento, como si no existiera otra cosa en el mundo que ese enlace singular, fuera de tiempo, la verdadera historia entre el espectador y la obra. Primero llega el golpe de aceptación o rechazo y luego la transfusión que vivifica aunque nos resistamos.

Flor Garduño - GalerieThessa Herold - Paris

2010-11-15T10:12:00.001+01:00

La fotografia se debe mostrar no solo como una representación fisica de un ser o de una cosa. A través de su propia apariencia debe aportar un cambio a la mirada y a quien la dirige. Su primera conquista es bien entendido, quien acciona el obturador. Se puede hablar de magia, yo prefiero hablar de « miradas ». Es sobre la infima diferencia de la mirada de un creador y de la mirada de un aficionado que fundo mi convicción, aún cuando la magia existe.

La obra fotográfica de Flor Garduño se ha caracterizado por develar ciertas situaciones que de otra manera permanecerian ocultas e inalcanzables. Lo singular, lo poco común, lo que excita la curiosidad, a menudo, a presidido los discursos sobre la fotografia, pero en « Vestales » - exposición que presenta la galeria Thessa Herold -, es la esencia. Penetrando el espacio, el espectador no se encuentra frente a una visión clásica, ni frente a una reflexión excesiva, más bien se encuentra con una relectura estética del cuerpo y de su desnudez.

Las preguntas que plantea Flor Garduño se transmutan en respuestas al origen de la belleza.
Mistisismo o simple búsqueda, la foto toma una forma irracional de presencia, que la artista revela a través de elementos simples de la vida cotidiana que a veces trasciende. Hay una estrategia común a los encuentros entre esos elementos – flores, plumas, hojas, frutos – y las figuras femeninas que involucra. Lo que a primera vista parece solo circunstancial funciona casi como una meditación que le permite aproximarse al encuentro con una dimensión real del espacio que fotografia.

Es posible intuir, por la manera en como son tomadas las fotografias, que se han formado a partir de un gesto intimo, un gesto privado. Ese gesto, permite a Garduño construir una imagen cargada de sentimiento que le confiere una visión muy personal del desnudo. Ningún efecto de encuadre exagerado invade la imagen, solo los contrastes de negros y blancos permiten que trascienda la inmediatez del cuerpo. Sin privilegiar el detalle, sin efectos especiales, ni flash llamativo que estalla sobre los rostros. Frente al objetivo, solo los cuerpos desnudos, que aparentan abandonarse con una total sencillez, dialogan entre sí, a través del poder sugestivo de la imagen.

El desnudo, pese a la connotación clásica, que se le atribuye a esa palabra, es un sujeto como otros, ni más ni menos académico, ni más ni menos original. Sin embargo, la artista, apropiandose de esa imagen universal, pero de una forma contemporánea, crea una escenificación en donde armonia y rigor plástico dialogan con las femeninas figuras de sutil elegancia. De una estética de extraña e inquietante sensualidad, cada fotografia, en blanco y negro, se abandona a su propia individualidad e invita a una experiencia de inédita contemplación.

Como Julia Margaret Cameron, pionera de la fotografia desde los primeros tiempos, las mujeres, por su naturaleza humana, por su condición en la sociedad, han propuesto un punto de vista diferente sobre el mundo. Flor Garduño, induce al espectador hacia una fotografia moderna, de nuestro tiempo, alimentada de múltiples referencias que han atravesado los siglos.

« Hermanos enemigos » Atelier Morales

2010-11-08T08:35:00.002+01:00

The Steps gallery presenta la primera individual en Londres de Atelier Morales, (Teresa Ayuso-1961 La Habana, Juan Luis Morales-1960 La Habana) « Hermanos enemigos » su nuevo proyecto de fotomontaje digital. Para conformar esta muestra tomaron en cuenta las premisas de las diferentes estrategias reinterpretativas de los mitos y fábulas de la historia y también los conflictos, violencia y animadversión entre las personas y pueblos que han sido a través de la historia de la civilización uno de lo horrores recurrentes. En esta ocasión Atelier Morales reelaboró, mediante una serie de fotografías de mediano formato, el mito alusivo a esta problemática de connotaciones trascendentes, mediante la apropiación de esas historias: Cain y Abel, Rómulo y Remo, Osiris y Seth, los conflictos entre Palestina e Isrrael, entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte.

El cuidadoso trabajo investigativo de los mitos profanos y religiosos les ha permitido asumir con eficacia su propuesta, cargada de asociaciones culturales, políticas y religiosas, apoyada en una exquisitez formal que los confirma como excelentes artistas. Así se evidencia en los efectos de luminosidad barroca, en la calidad de la composición, que colaboran en la construcción de la atmósfera y en la homogeneidad iconica conferida a sus personajes. Con un depurado oficio se apropian de elementos, personajes e imagenes de diversos momentos de la historia del arte, como así también de los conflictos contemporáneos. Cada escena alude a un doble encierro: el del marco habitual de la obra y otro corporizado en una suerte de ventana por los artistas. En tal ambiente los sujetos implicados comparten el espacio arquitectónico de una manera proporcional con los elementos que los rodean a fin de interpretar libremente las problemáticas geográficas, urbanas y sociales. Así pues las representaciones son familiares como extrañas, donde la ficción contamina lo real y lo trivial cede el lugar a la inquietud.

Para el espectador dos niveles de lectura se sobreponen: el de la dureza del testimonio, de la recepción bruta de la realidad de los hechos, del reconocimiento de situaciones a veces insoportables y de la toma de conciencia de su existencia. En segunda lectura, el nivel de la confrontación inexorable con los hechos, trascendida por su dimensión de intemporalidad. Y aunque Atelier Morales quiera reconciliar el compromiso estético con el político, y la estética con la información, a veces la agresividad de la imagen fotografíca perturba la percepción del que contempla.

Bajo el contexto contemporáneo del arte, donde la fotografía aparece cada vez más como una práctica central, la obra de Atelier Morales, es útil para recordar su carácter contradictorio, pero siempre político y social. Aún así, hay en ellas un espacio para la reflexión acerca de cuestiones como la violencia, el activismo político o el fin de las ideologías. La inclusión de ciertos elementos “dramáticos”, como la relectura y reinterpretación de los momentos claves de la historia, les permite guiar al espectador hacia una percepción más compleja de su obra, donde la parodia se convierte en una herramienta para reflexionar acerca de los aspectos más crueles y dramáticos de nuestra realidad. Afirman con « Hermanos enemigos » su convicción de que el arte puede cambiar la mirada que los hombres se tienen a sí mismos. Una manera de interrogar las representaciones de la civilidad.

Balance positivo de la FIAC 2010: « la mejor desde hace mucho tiempo », según varios galeristas.

2010-11-04T14:08:00.000+01:00

La 37° edición logró posicionarse como una feria atractiva : los galeristas expresaron una viva satisfacción. Durante los cinco dias de abertura, los organizadores enregistraron 85.662 entradas, lo que representó un aumento del 6% en relación a la edición 2009.

El público especialista – coleccionistas y profesionales- se desplazaron en masa: más de 21.000 invitados asistieron durante las dos jornadas profesionales, es decir un 8% más con respecto al 2009. Alrededor de 35 grupos de coleccionistas extranjeros visitaron la feria, venidos de Arabia, Saudita, Alemania, Inglaterra, Argentina, Canada, China, Estados Unidos, Rusia, Suiza...

Algunas ventas significativas:

Yvon Lambert-Paris, New York- vendio obras por un monto de alrededor 100.000 € a coleccionistas americanos y franceses.

Henze Ketter – Wichtrach/Bern- y Riehen -Bâle- realizaron varias ventas que sumaron 2,5 millones de euros a nuevos clientes, especialmente franceses.

Jérôme de Noirmont -Paris- vendió todas las obras presentadas en su stand, algunas de las cuales alcanzaron la suma de 100.000 €, especialmente a belgas y americanos.

Mehdi Chouakri -Berlin- manifestó gran asombro por el nivel de los coleccionistas y dijo impresionarse por el gran numero de jóvenes cioleccionistas franceses. Realizó ventas de 50.000 € a 90.000 €.

Galerie of Marseille -Marseille, Francia- por ser su primera participación en la feria tuvo una gran satisfacción ya que vendió el conjunto de obras presentadas.

Con las ventas muy significativas de artistas latinoamericanos como Lygia Clark -sus obras se vendieron entre 300.000 y 500.000 €-, Gabriel Orozco, cuya cota esta en alza después de las retrospectivas que le han consagrado el MOMA de New York y actualmente el centre Pompidou de Paris, o Julio Le Parc, Soto y Cruz Diez en la galeria parisina de Denise René, la Fiac demostró que el arte de latinoamérica esta en plena efervescencia!

La Fiac tuvo su gran momento de gloria en los años 80 antes de sentir la crisis del mercado del arte de los 90 y su largo exilio -para nada positivo- a la Porte de Versailles. De regreso al Grand Palais desde hace cinco años, parece que ha encontrado su vitalidad e identidad por su calidad, su diversidad y por la presentación de los stand.Todos los esfuerzos de renovación de esta manifestación internacional han dado sus frutos, y prueba con certeza la solidez del mercado francés e internacional

MARTA MINUJIN – MARK BRUSSE « La chambre d’amour » Galería Lara Vincy, Paris

2010-11-01T15:52:00.000+01:00

La exposición « La chambre d’amour » -1963-2008- muestra el exitoso regreso de Marta Minujín a París. Reconocida por su rubia cabellera, sus infaltables anteojos oscuros y vestida con un overol negro, recibió a la multitud de paseantes que se agolpaban para penetrar al interior de esa habitación del amor. Realizada con el escultor holandés Mark Brusse, la primera versión se estrenó en 1963 en la capital francesa, para una exposición itinerante en el museo de arte de Tokyo.

Esta bella historia de amor entre Marta Minujín y París remonta a los años 60 cuando una beca le permitió instalarse en París. Allí comenzó a realizar estructuras habitables, cubiertas de colchones encontrados entre los desechos de los hospitales parisinos que chorrea de pintura roja, negra y blanca. Estos « colchones », amontonados, entrelazados, coloreados o quemados han sido un motivo recurrente a lo largo de su carrera, una constante desde sus inicios. "Me importa mucho como elemento, porque en los colchones la gente nace, sueña, hace el amor y muere. El colchón es un pedazo de vida".

De esa época data su primera ambientación, la Chambre d’Amour: construcción habitable realizada en madera y recubierta enteramente con sus colchones, piezas que ella misma cose y colorea con tonos flúo. En esa misa época realiza su primer happening, « La Destrucción » -1963- obra, con la que obtuvo su primer gran éxito. Consistió en quemar en un terreno baldío todas sus piezas con colchones e invitó a un grupo de artistas a « destruirlas » (Christo, Élie-Charles Flamand, Lourdes Castro, Mariano Hernández y Paul Gette).

En 1964, regresa a Buenos Aires, trayendo consigo una nueva forma de exhibir el arte: los happenings, una muestra de arte vivo y efímero donde prima la participación del público.

Pionera de ese arte efímero, el art pop, el happening, el nuevo realismo –como ella misma se califica-, Marta Minujín, con más de cuarenta años de actividad plástica, aún conserva el ímpetu de los años del Di Tella. Con un periplo de cuatro meses que comenzó en París y continuará en Vancouver, Cali, San Pablo y Berlín, la consagrada artista sorprendió nuevamente - como lo hiciera en 1963 - con la reconstitución de la Chambre d’Amour despertando deleite y asombro, participación y juego, sensaciónes envolventes en la que el espectador queda atrapado.

Inauguración del Centre Pompidou – Metz, Francia

2010-10-28T17:17:00.003+02:00

Treinta y tres años después del nacimiento del Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, en Paris, nace el Centre Pompidou-Metz. Primera decentralización de una gran institución cultural nacional en Francia, desarrollará su propia programación inspirandosé del espiritu y de los valores del Centre Pompidou-Paris. El museo tendrá seis exposiciones al año y no contará con una exposición permanente. Dos tercios de los 5000 metros cuadrados serán alimentados por más de 400 obras de la colección del Pompidou, el resto funcionará a través de préstamos.

Chefs- d´ouvre?, reflexión singular sobre el concepto de las obras maestras, estrena el asombroso edificio creado por los arquitectos Shigeru Ban y Jean de Gastines. "Hemos querido mostrar que el concepto de obra maestra es una noción relativa", destacó su director, Laurent Le Bon, quien dijo haber querido ahondar y cuestionar el "misterio de la creación" de estas grandes obras. El Centre Pompidou-Metz para esta muestra inaugural cuenta con 780 piezas - de ellas 700 procedentes del Pompidou-París- y libros y revistas del Fondo Kandinsky, que forman una biblioteca de 55 m de largo ubicada en la galeria 3. Aprovecha así al máximo las oportunidades que le brinda la espectacular construcción, cuyo tejado ondulado de madera sostiene una membrana textil translúcida que aúna belleza y eficacia. Picasso, Modigliani, Chagall, Giacometti, Pollock... todos los maestros del arte moderno y contemporáneo. Escultura, pintura, fotografia, dibujo, diseño, ninguna disciplina estuvo olvidada en esta ambiciosa manifestación artistica donde el visitante no va a ver una exposición, sino una sucesión de exposiciones que exploran las obras maestras.

En la gran nave, en la planta baja, «Chefs-d'œuvre dans l'histoire» propone un recorrido cronológico donde un sorprendente y enorme espejo colocado en el techo refleja las 17 salas en las que se retrata la evolución del concepto de obra maestra a lo largo de los siglos - término aparecido en el siglo XIII en Francia: los artistas debian realizar una obra maestra para convertirse en maestros -, con el objetivo de hacer reflexionar al público sobre su naturaleza. La tristesse du roi, 1952, enorme collage de Matisse, que abre la exposición, los tres Bleu de Miró, restaurados y reunidos especialmente para Metz, Prométhée enchaîné, 1762, magistral trozo de mármol de Nicolas Sébastien Adam, o la robe de chambre de Balzac realizada en yeso por Rodin y presentada aqui como el primer « ready-made » de la historia, son algunas de las suntuosas e inesperadas obras con las que se encuentra el visitante.

Bruce Nauman - Dream Passage with Four Corridors(1984)

« Histoires de chefs-d'œuvre », en la primera galería, alterna creaciones en distintos soportes y redescubre movimientos poco conocidos del siglo XX, así como corrientes como el fauvismo o el cubismo. Historias de un artista, de un proceso de creación, esculturas y pinturas, fragmentos de películas de Alfred Hitchcock o Quentin Tarantino, obras de Ben a Carl Andre, de Julio Gonzalez a Bruce Nauman, se entrelazan en este espacio de salas intimas que ofrecen vastas perspectivas y sorprendentes rebotes visuales. Dos obras se distinguen y estallan en el conjunto: La Plage de Martial Raysse, 1962, una verdadera instalación totalmente impregnada de los años pop y del nuevo realismo y Précious Liquids de Louise Bourgeois, 1992, obra sorprendente, intima y de una inquietante extrañeza.

La exposición continúa en la segunda galería con » Rêves de chefs-d'œuvre » que presenta un doble recorrido: primeramente se descubre una exibición de obras emblemáticas del arte del siglo XX presentadas cronológicamente, de artistas tan reconocidos como Giacometti, Yves Klein, Pablo Picasso, Vassily Kandisnky o Fernand Léger. Seguido de un espacio en el que se rinde homenaje a los lugares de exposición de arte moderno y contemporáneo construidos en Francia desde 1937, con una treintena de maquetas de realizaciones arquitecturales, como el museo de Quai Branly, París por Jean Nouvel; La Pyramide du Louvre, por Ming Pei, la Fundación Louis Vuitton, cuya estructura diseñó Franck Gehry, etc. Una selección de "lo mejor del Pompidou de París", subrayó Le Bon.

Vladimir Tatlin - maqueta del monumento a la Tercera Internacional (1919/1979)

En la última parte de la exposición, en la tercera galería, «Chefs-d'œuvre à l'infini » interroga la persistencia de la noción de «chef -d'œuvre « a través del siglo XX. Confrontados a nuevos medios, como el film y la imagen numérica, los artistas abordan la obra maestra de una manera diferente. Algunos de ellos integran la noción de copia y de reproducción en sus procesos artisticos e incitan a reconsiderar el fundamento de una obra maestra: la unicidad. ¿Cuál es el porvenir de una obra maestra? Sin pretender dar una respuesta única, esta última sección nos invita a interrogarnos sobre el valor que otorgamos a las obras de nuestro tiempo. El arte, la arquitectura y el urbanismo se entremezclan y mediante un efecto óptico colocan al espectador en el interior de un enorme mirador desde el que ve cómo la catedral de Metz se va empequeñeciendo a medida que avanza hacia ella, alegoría de un «chef -d'œuvre « inasequible, cuya definición se nos escapa y resiste a las interpretaciones más contradictorias.

Como consecuencia del gran éxito generado, la muestra Chefs- d´oeuvre? se prolongará integralmente hasta el 17 de enero 2011

FIAC 2010

2010-10-23T15:47:00.016+02:00

El mayor evento artistico de Paris, la Feria Internacional de Arte Contemporaneo-FIAC- abrió sus puertas del 21 al 24 de octubre. Verdadera búsqueda de tesoros para coleccionistas, profesionales y público, la 37° FIAC acoge 195 galerias de arte moderno y contemporaneo venidos de 24 paises en el Grand Palais, la Cour Carrée del Louvre y jardin de Tuileries, sitios prestigiosos y emblemáticos de Paris. Propone un panorama equilibrado del arte moderno, contemporáneo y emergente con una abertura a la diversidad de prácticas artisticas como lo atestiguan el programa de performances y la inauguración este ano de un ciclo de films de artistas.

Para orientarse dentro de este laberinto, siga nuestra guia....

Es en el Grand Palais donde se descubren las galerias mas huppées cuyas obras varian de 200.000 a 18 millones de euros! Como el retrato de mujer de Max Beckmann o "Taxidermy" de Adel Abdessemed – galeria Perrotin- que en las primeras horas se vendió por 200.000 euros. Numerosas exposiciones personales son propuestas, como la de Yayoi Kusama galeria Victoria Miro -Londres-, Alighiero Boetti galeria Barbara Gladstone -New York-, Andro Wekua, galeria Peter Kilchmann -Zurich-, entre otras y se destaca la monumental obra de Anish Kapoor "Slug", la más solicitada por el público.

Slug - Anish Kapoor

Entre los eventos que marcarán la programación de la Cour Carrée, "Sleeping Hermaphrodite" de Barry X Ball, escultura en mármol negro, realizada especialmente para la manifestación y que hace referencia a la Hermafrodita dormida del Louvre, atrae especialmente la mirada del visitante que continuando su visita en el stand de Loenvenbruck será recibido por una banana gigante obra del artista Bruno Peinado y si tiene gusto por lo kitsch no se perderá Carlo Mollino en la galeria Salón 94-New York-.

Reach Up to the Universe, Dotted Pumpkin - Yayoi Kusama

Si cada año la disminución de las galerías latinoamericanas es considerable, este año la ausencia fue casi total, solo tres galerias de Mexico. Para los artistas latinoamericanos no fue el mismo caso, ampliamente presentes en las galerías europeas concentradas sobre todo en el Grand Palais: Ivan Navarro, Julio Villani, Miguel Rio Branco, Leandro Erlich, Lucy+Jorge Orta, Ernesto Neto, Tunga, Adriana Varejão, Dias &Riedweg en galeria Bendana-Pinel que presenta una sorprendente instalación video "Cold Stories" cuenta la historia politica y geográfica del planeta desde la guerra fria hasta el calentamiento del planeta. Sin olvidar Denise René la gran sacerdotisa del arte latinoamericano cautivó al espectador con obras de Soto, Cruz Diez, Sobrino, Perez Flores, Matta, entre otros.

Wail - Ivan Navarro

En asociación con el Museo del Louvre, la FIAC otorga un lugar importante a los proyectos exteriores, más de 30 instalaciones, obras sonoras y esculturas monumentales son desplegadas en el jardin de Tuileries espacio de transición uniendo los dos grandes sitios. El público tendra la ocasión de descubrir la obra de Subodh Gupta, Allora & Calzadilla, Mark Dion, Thomas Houseago, Jonathan Meese, Franz West, Yayoi Kusama, Carl Andre o aún Hugo Rondinoni.

Melker 7 - Bertrand Lavier

Los aficionados al arte podrán disfrutar de una rica propuesta cultural paralela a la FIAC. De Takashi Murakami en el Château de Versailles, Claude Monet en el Grand Palais, Gabriel Orozco en el Centre Pompidou, Jean Michel Basquiat en el Musée d'art moderne de la Ville de Paris o aún Adam McEwan en el Palais de Tokyo, sin olvidar las ferias off: Slick, Chic art Fair, Show Off, Cutlog, Art Elysées y las dos ultimas Access y Paradox, queda por saber si llegarán a encontrar su público,veredicto en unos dias.

Jean Nouvel "Les Architectes" - Xavier Veilhan

La perspicaz mirada de Yvon Lambert

2010-10-17T18:01:00.000+02:00

Personaje histórico del mundo del arte parisino, galerista internacional, casi siempre contra la corriente y muy a menudo anticipándose a la moda, festeja con una exposición aniversario “Message personnel”, 40 años de profesión reuniendo obras de artistas que como On Kawara, o Sol LeWitt tuvieron su debut en la galería. Gran coleccionista, paralelamente a su actividad de marchand, Yvon Lambert ha reunido más de 400 obras. Presentadas en Avignon en el palacete de Caumont, son el reflejo de su compromiso y pasión por el arte contemporáneo.

Si existe una galería de arte contemporáneo a visitar absolutamente en París, es la galería Yvon Lambert. Apasionado de arte, discreto, con una mirada chispeante y sonrisa tímida, se instala en París en 1966. Llega de Vence, su ciudad natal, allí, el encuentro con artistas locales y el clima artístico del lugar - se podía encontrar Chagall o Matisse - lo incitan a abrir su primera galería en 1961.Un minúsculo local donde presenta obras en papel de artistas históricos como, Lothe, Derain o Severini. Muy rápidamente París lo llama, y es en la rue de Seine que abre una galería. Expone el arte geométrico de los años 20-30 donde muestra las tendencias geométricas, las más elaboradas, Van Doesburg, Moholy-Nagy, Gorin, De Stijl y la Bauhaus. Luego de ese pasaje por la abstracción geométrica descubre el minimalismo, land art y arte conceptual americano; Sol Lewitt, Robert Ryman, Richard Long, Cy Twombly, Brice Marden, Buren, Toroni ...Diez años durante los cuales Yvon Lambert será el descubridor de estas tendencias, rue de l’Echaudé. Un encuentro determinante con estos artistas que exhibe y que se oponían al pop art, dominante en ese momento. ...“ El periodo de los años 68-72 fue uno de los más interesantes y productivos de mi vida donde exhibí grandes artistas, aún desconocidos en esa época...”. Pero un buen día de 1976 se produce “el entierro” de la galería, o mejor dicho un gran gesto artístico: Gordon Matta-Clark cierra la aventura excavando un agujero en el suelo, todo esta dicho.

Vendrán otras galerías en la capital, cerca del Beaubourg, el encuentro con una nueva generación de artistas, Combas, Di Rosa, Blanchard ...con la Figuración libre, el comienzo de una nueva aventura, presentará Miquel Barceló, Joseph Beuys, Allan McCollum ... . Finalmente en 1986 se instala en el Marais, en una antigua fabrica de prótesis de 750m², un verdadero espacio de exposición en la rue Vieille du Temple, donde el espectador no deja de descubrir, de asombrarse, de reír, de rechazar o de dudar frente a las obras de Nan Goldin, Anselm Kiefer o Claude Lévêque. Es la época en que el arte contemporáneo esta en plena expansión, donde surgen nuevas individualidades que emergen y nuevamente la perspicacia de Yvon Lambert está presente.

Coleccionista advertido, desde los años 90 es un gran defensor de la fotografía, sin hacer distinción alguna expone artistas que hacen igualmente fotografía, pero nunca fotógrafos de profesión. Artistas como, Faucon, Louis Jammes, o Andrés Serrano “... Porque tienen universos singulares y diferentes, que en definitiva no tienen nada que ver con la fotografía. La exposición presentada en la galería, de Andrés Serrano, fue un momento extraordinario. La manera encarnizada con la que se empeña en representar la segregación social, el sexo y la religión hacen de él un fotógrafo singular...”.

Decididamente Yvon Lambert mira hacia el futuro y continua con entusiasmo y generosidad a innovar, creando en el año 2000 un espacio dedicado al arte del video Le Studio. Sin ignorar nada de lo que puede ser nuevo, pero esa novedad no es nada a sus ojos, sin la fuerza y emoción, carnal o espiritual que ella debe suscitar. Instalándose en el 2003 en New York realiza su sueño y mantiene su posición internacional inaugurando una galería en el barrio de Chelsea con una exposición en forma de manifiesto. El artista mexicano Carlos Amorales, inauguró el espacio con una de sus instalaciones. Una elección para nada anodina de presentar al público americano el trabajo de este artista que se interroga sobre las diversiones populares y sus convenciones sociales.

Yvon Lambert habla de sus pasiones a veces con un silencio que lo dice todo. Y sabe apropiarse con elegancia y discreción de los talentos que cautivan sus sentidos. Es así como su galería se transforma en el lugar de cita, donde el espectador permanece mudo frente a la grandilocuencia casi impertinente de la creación artística y al descubrimiento de un nombre o de un talento. Un lugar de pasaje, donde quedarse se convierte en un placer.

Entrevista a Yvon Lambert

PA: ¿Cuál fue su primer contacto con el arte latinoamericano? Ya que se conoce su interés particular por los artistas norteamericanos.

YL: En lo que concierne al arte latinoamericano, siempre estuve muy atento a todo lo que ocurría en América latina, pero verdaderamente me preocupé por saber más sobre Carlos Amorales y Ernesto Neto. Actualmente son los dos únicos artistas sudamericanos que participan en la galería. Ahora, si pensamos en un artista como Andrés Serrano, que aunque nacido en New York, pero de origen sudamericano, su familia es de Honduras, es muy evidente que su trabajo sea completamente sudamericano. Son artistas latinos y sus trabajos lo son. También hemos mostrado en las ferias de New York y Paris obras de Pedro Reyes, que considero, tiene un trabajo muy interesante.

PA: ¿Cómo ve la creación latinoamericana con relación al contexto internacional?

YL: Veo y creo que es una creación que esta aún en un estado de efervescencia, en movimiento, en gestación. Es verdad que hay lecciones del arte europeo y americano que están germinando algo que es verdaderamente interesante en América latina y que se debe seguir con mucha atención. Vemos que algo va a surgir de ese inmenso continente del que se espera mucho.

PA: Porqué eligió inaugurar su galería de New York con obras de Carlos Amorales? Porqué ese afecto hacia él?

YL: La respuesta fue un bello homenaje que le rendí a Carlos decidiendo abrir la galería con su obra. Podría haber elegido un artista más conocido, o un artista americano, pero justamente tenia el deseo de no comportarme como las galerías tradicionales de New Yok que escogen en general un artista americano. Yo no escogí ni un artista europeo, ni americano, elegí mostrar un sudamericano. Además, porque la imagen de la galería es la de no centrarse en una especie de academicismo, esto es lo que me interesaba también mostrar.

PA: A su parecer, cual es la especificación del arte latino americano con relación al arte contemporáneo internacional?

YL: La relación para algunos artistas es muy cercana, después hay otros como Carlos Amorales cuyo trabajo es muy sudamericano pero que no cae en un folclore, eso es lo que no me interesa. El ha superado ese folclore, se sirve de su cultura para hacer un trabajo formidable y es eso lo que me interesa particularmente. Los artistas, hoy en día, están muy bien informados de todo lo que acontece, pueden viajar con asiduidad y es muy fácil para ellos tener una información rápida de todo lo que sucede. Es así como el arte deviene internacional. Tenemos el ejemplo de Francis Alÿs que eligió vivir en México, hoy en día las fronteras prácticamente ya no existen.

PA: En un futuro próximo, planea nuevas exposiciones con artistas latinoamericanos?

YL: Sí, en el mes de junio, realizaremos una exposición de Carlos Amorales

PA: Luego de la exposición de Carlos Amorales, tiene en vista otros proyectos con artistas latinoamericanos?

YL: Después, es la casualidad de un encuentro, el azar de un trabajo que se ve, que se realiza, que se descubre, son encuentros que hacen que no pensemos la misma cosa que otros.

PA: En la selección de un artista, que criterios tiene en cuenta?

YL: Lo esencial, para mí, es que aporte algo nuevo a la historia del arte. Es mi primera preocupación cuando observo un trabajo y encuentro al artista.

nota publicada en "Arte al Dia International" n°115 - agosto-setiembre 2006

Sabrina Montiel-Soto - Galerie 13 Jeannette Mariani - Paris

2010-10-15T11:02:00.001+02:00

Un diminuto hombre que limpia una oreja, una mano que sosteniene un sachet de té, personajes extraños de siluetas casi abstractas .... El arte de Sabrina Montiel-Soto es una interesante convergencia de estrategias conceptuales y formales, construido « de delicadeza » con atención y exquisito miramiento. Joven artista venezolana, de formación cineasta que trabaja con numerosas disciplinas que incluyen, instalaciones, esculturas y videos, presenta en la galeria 13 Jeannette Mariani una nueva faceta de su obra. Asociando esculturas y objetos, pone en escena armonias frágiles e inventa un lirismo despojado de toda grandilocuencia.

El meticuloso trabajo que se percibe instantáneamente en la muestra es en sí una lección de tranquila contemplación y un acto de resistencia contra la inmediatez y la rudeza de la información visual. « La vengeance », « L'attente », « Le hasard », son algunos de los titulos de las obras presentadas al muro pero no por ello relacionadas con el concepto bidimensional. Cada elemento (hilo, mano, oreja, espina) se distingue por su discreta fragilidad, por una delgada linea entre lo perdurable y lo perecedero, donde la práctica y la repetición de ciertos gestos manuales, forman la esencia de su trabajo. Objetos y personajes que con su presencia inauguran un mundo que, desde su pequeña escala, hablan de la existencia solitaria del hombre, recordándonos que ésta tiene una duración en el tiempo y que sucede en el espacio, en algún lugar determinado.

Montiel-Soto, entiende claramente la cualidad ilusoria de un lente. Cada escultura es un mundo particular que nace de una narración, de un imaginario, de una de sus películas. Concebidas como una apertura de espacio y punto de encuentro entre el conciente y el inconciente, surgen de la asociación de ideas que llevan a crear el titulo de la obra o viceversa. Son el eco de esas imagenes que constituyen sus instalaciones y videos.

Gracias a la apropiación y desnaturalización de los objetos, las obras se manifiestan en un entorno y en una temporalidad que son propias a la artista; concentra en la estructura de la obra las unidades de tiempo, espacio y acción al que se le suma un movimiento, el del espectador quien esta obligado a detener la mirada. Intrigado debe aproximarse para descubrir los detalles creandose asi un vínculo de reflexión con cada una de ellas. En esos mundos diminutos, la pequeña figura del hombre contrasta con la enormidad del espacio, y es en este contraste que surge una noción temporal que se vincula con lo finito y lo infinito, y otra de caracter espacial que se relaciona con lo enorme y lo diminuto.

Asi como es posible pensar en el romanticismo, en las esculturas que conforman la muestra, también hay algo de poesia surrealista, algo de absurdo, inquietante en estos objetos y personajes minúsculos que nos muestra la artista y que hacen recordar a los hombres de Magritte. Un mundo mágico, intemporal, que impacta por la manera en que logra crear una especie de nueva arqueología escultórica. En el caso de la obra « Le discours qui ne plaît pas » nos preguntamos: ¿ qué sucede, qué esta haciendo o diciendo ese pequeño hombre en medio de una gran oreja ? Volvemos a mirar la obra y ésta nos devuelve la pregunta, porque nos encontramos con una figura solitaria, intrigante, que revela una pose y una actitud que parece alejarse en el tiempo y el espacio para adentrarse en los limites entre lo real y lo onírico. Detenerse, callar y dedicarse a mirar. Mirar con el cuerpo, pero también con los ojos del espíritu, entonces se podra entrar en ese universo encantado que guia hacia los meandros de un neosurrealismo? Perturbadoras y sugestivas ofrecen una mirada personal. Invitan a imaginar mundos posibles, historias y situaciones particulares, sugieren, incitan al espectador a abandonarse a las percepciones más intimas, sin limite.

nota publicada en "Arte al Dia International" n°131 junio-julio-agosto 2010

Mariano Favetto - La Pampa tiene el ombú - Galerie Argentine

2010-10-11T10:49:00.004+02:00

Mariano Favetto
©Daniel Avena

El paisaje es, en realidad, el condensado o el producto visual de una actitud contemplativa ante el mundo, que si al comienzo se manifestó solo en la reproducción de los campos, el cielo o los mares, se proyectó luego con fuerza sobre el resto del mundo. En este sentido lato y no estricto, la fotografia en su conjunto es inseparable del paisajismo. Más aún, es la primera de una serie de revoluciones técnicas en el terreno de la producción de imagenes, cuyo logro más reciente es la imagen generada por computador, y que no han hecho más que expandir y perfeccionar el paisajismo que por primera vez se hizo explicito en la pintura de paisajes. Porque -tal como se han encargado de subrayar pensadores tan distintos entre si como Walter Benjamin o Gilles Deleuze- lo que la fotografia hizo en su momento fue lo que los cuadros de paisaje holandeses ya habian hecho en su época y con sus medios especificos: darle importancia a lo que no tiene ninguna.

Partiendo de fotos tomadas entre las ciudades de Buenos Aires y Coronel Suárez, la obra de Mariano Favetto altera la intención del ojo, la costumbre de la mirada, obligando al espectador a internarse en casi microscopicas versiones de un cosmos de pixel y formas deconstruidas. Los paisajes virtuales, una intrigante mezcla de imagenes y conceptos paradójicos, hacen trabajar a las ideas y generan ilimitadas variaciones líricas. Obligan a una mirada penetrante para intentar dilucidar las pistas reales y ficcionales que el artista entrelaza. En una doble acción, la obra legitima lo cotidiano e ilumina una ruptura que le otorga una reveladora dimensión, rica e insospechadamente fuera de tiempo y lugar.

Artista multimedia, cosmopolita y pregonero urbano, potencia la comunicación, invitando al público a descubrir, participar, e interpretar. A través del proceso de creación de esas imágenes, Favetto desafía nuestro modo de ver, y lo familiar se convierte en algo para la contemplación, de acuerdo con un conjunto de reglas y asociaciones totalmente diferente basada en el concepto del fractal: la ecuación matemática que genera una forma donde cada parte es igual al todo, y que fue la base de la representación por computadora.

Su obra, interroga los procesos de percepción visual. Estimula la duda y nuestra capacidad a mirar las cosas y como analizarlas. La visión es una forma de inteligencia y la identificación un modo de bienestar. Sus imágenes nos confortan en lo que respecta nuestro sentimiento de familiaridad, pero sobre todo, nos hacen capaces de invertir el proceso de identificación. Mariano Favetto, evoca la naturaleza como un misterio, traduciendo la tranquilidad que siente en su contacto visual. A través de ese refinamiento reducido a la parte más pequeña, el pixel, la imagen deviene una evocación furtiva, una visión sintética donde cielo, tierra y nube se entrelazan.

texto del catalogo

In Memoriam - Carmelo Arden Quin

2010-10-07T15:06:00.005+02:00

Carmelo Arden Quin

La muerte del maestro Carmelo Arden Quin es una gran pérdida para el arte latinoamericano y sobre todo para la difusión del mismo en Europa. Precursor y actor indiscutido de la vanguardia geométrico-constructiva rioplatense, Arden Quin, - Rivera, Uruguay, 1913 -, fue ciertamente uno de los grandes pintores contemporáneos cuya trayectoria, de una riqueza sorprendente, aportó un cúmulo de innovaciones en el dominio de la abstracción geométrica defendiendo una total libertad en el material como en la técnica.

Recuerdo con gran emoción mi primer encuentro con el maestro, hacen ya dos décadas, una noche primaveral en el sur de Francia en casa de mi suegro, el poeta Yvan Avena, quien lo conocia desde los años 50. El timbre suena, una parálisis invade mi cuerpo, en segundos desfila todo lo que podia recordar sobre Arden Quin y Madi, imagenes y palabras se entrelazan: Materialismo dialéctico, inventar, marco recortado, forme galbée, coplanales... su figura que nos remite al co-fundador del movimiento Madí-1946-; principal creador e inspirador constante. Su amistad con su vecino, el escritor catalán José Sanz lo llevan a descubrir el cubismo, cuyas enseñanzas se reflejan en sus cuadros fechados entre 1934-35, la publicación en 1944 del único número de Arturo. París 1948, luego de la escisión Madí, fue el principal artífice en Europa del Movimiento Madí Internacional, con sede en París, siendo el eje en el cual giran todas las intenciones creativas y expositivas. En 1950, su etapa de la Plástica blanca, influenciado por las teorías estéticas de Georges Vantongerloo y Michel Seuphor, a quienes frecuenta asiduamente. Pero, que voy a decirle? Quizás deba comenzar la historia comentando que mi admiración remonta a mi época de estudiante en historia del arte en Argentina, cuando escuché por primera vez que en los años 40 un intrépido grupo de jóvenes artistas emprendedores, como respuesta a la situación artística empobrecida del país y con la intención de realizar una total renovación de las artes plásticas crean Madi.”... al crear la forma, Madi abrió para la plástica una libertad absoluta. Alcanzar el movimiento perpetuo a través de la utilización de colores simples, estructuras poligonales y espacios vacíos. Madi no se contenta con las formas inmóviles y los espacios cerrados, en su concepto no hay ni interior ni exterior, rechaza toda idea de delimitación, es una revisión de la plástica en general...” Finalmente, a pesar de la emoción que experimenté frente a su figura, de físico impresionante, con una opulenta cabellera blanca y mirada intensa, todo fue más sencillo de lo imaginado. Recuerdo que conversamos detenidamente de su trayectoria, de Madi, su poesia; un intercambio muy fructuoso comienzo de una larga amistad, gracias a su inherente generosidad.

Sin saltos ni rupturas aparentes, sus obras siguieron con absoluta coherencia su pensamiento, un arte no figurativo de base geométrica, que surgió con la intención de otorgarle a la abstracción una nueva forma, un desarrollo menos rígido que el arte concreto y con una visión más lírica. Siendo Joaquín Torres-García con sus juguetes articulados, compuestos a partir de piezas intercambiables y sus alcances teóricos y formales los que incidieron de manera clave en la teoría estética y la práctica artística de Arden Quin.

Su itinerario, difícil de circunscribir, es consecuencia de su talento múltiple y sobre todo porque no dejó de evolucionar e investigar a través de sus creaciones. En sus obras mas recientes el principio de poligonalidad abierta continuó siendo uno de los pilares básicos de su producción artística y es evidente ver la capacidad que tenia para apropiarse de los recursos estéticos y tecnológicos necesarios; a fin de poder articular y poner en ejercicio sus ideas y manejo de técnicas. Tal concepto se nutrió con la incorporación de nuevos materiales, -metal, plexiglás, plástico transparente, botones y capuchones cromados, pequeñas esferas de cristal coloreado, aluminio-, junto a inéditas texturas visuales, de apariencia lustrosa y acerada.

Arden Quin subsistirá como uno de los referente más importante del arte latinoamericano y para la historia del arte rioplatense. Su temperamento, su carácter determinante, su convicción política – en 1936 luchó contra el fascismo español y se convirtió en miembro de la Brigada Internacional de Montevideo. En ese mismo año logra exponer por primera vez sus trabajos en la Casa de España, en el marco de una manifestación de solidaridad con la República Española - y la defensa intransigente, y a veces agresiva, que siempre hizo de su ideología e ideas, lo convirtieron en un personaje notable y controvertido en el arte y las letras. No obstante, su pasión, trabajo y entrega por el arte han sido siempre de unánime admiración.

Su herencia es evidente, en medio siglo de existencia, Madí llega no solamente a subsistir, sino que se divulga y se renueva constantemente, “...porque el Madí de hoy no es el Madí de los años 50, como el de los años 50 no es el Madí primitivo, el Madí actual integra la técnica moderna, la luz, el aluminio, el plástico. Madí trabaja sin limites, como los ángulos, los números, que son sin limites; en un cuadro hay cantidad de ángulos que permiten una libertad de creación absoluta. Lo que siempre pido a los críticos e historiadores es que cuando se refieran a Madí acentúen sobre su origen que es “la geometría”, el origen no es Arden Quin, el origen de Madí es la geometría, porque lo que yo hago no lo hago sin la geometría. Para mí personalmente es una alegría inmensa afirmar la geometría en el arte, lo que propone Madi, es un arte esencialmente geométrico, es un movimiento libre donde la única exigencia para participar es el vínculo y afecto a las formas geométricas y a la idea de la poligonalidad, lo que por otra parte abre el camino a la imaginación... ”

Carmelo Arden Quin no solo fue artista plástico, sino un inmenso poeta de lengua francesa e intelectual notable. Pionero del anti-academicismo escribió manifiestos, creó revistas de vanguardia como Sinesis, Arturo, El Universario y Ailleurs. Testigo y protagonista de grandes acontecimientos de éste siglo de la plástica, militó enfáticamente en el contexto de una modernidad utópica. Las personalidades de la vida plástica e intelectual de Francia y América Latina, así como sus amigos, lo recordaremos como un personaje legendario, que brillará por su gran generosidad, humildad, inteligencia y humanidad.

Ver tambien Arden Quin - Figura clave del movimiento Madi

Carmen Ramirez - Contando el tiempo/contando hormigas - Galerie Argentine

2010-10-02T18:20:00.003+02:00

Carmen Ramirez
©Daniel Avena

Impactante y enigmatica, es la primera muestra individual en Paris « Contando el tiempo/contando hormigas » que presenta la galeria Argentina -Embajada Argentina- de la reconocida y talentosa artista mendocina Carmen Ramirez-Mendoza, 1956-.

Tratadas con recursos extrapictoricos, resultado de un proceso de depuracion conceptual meditado y del acceso a unos recursos expresivos de maxima intensidad evocadora, sus obras atrapan al espectador entre el tiempo y los conceptos.

Gracias a una acuciosa selección, la muestra permite un recorrido que destaca el aspecto intimo y autobiografico de su obra. Equilibradas, poéticas y de una placentera calidad formal, las obras son esencialmente serenas y contemplativas.

Porque esa lentitud ? se puede interpretar como una lentitud inquietante que pone la mirada en posicion de acecho. Por otra parte, la artista esta, ella misma, a la espera de ese tiempo que se le presenta naturalmente, ese tiempo que Ramirez pone en escena en sus obras. Teatralizadas por esas telas que se abren y descubren esos seres- hormigas. Asi, el tiempo se transforma en el dueno, en la esencia misma de su obra. “…necesito una pausa para alejarme de los lenguajes actuales, trabajar sin agresividad, sin ruido, en una pausa de silencio, que me permita y permita a los otros un momento de reflexión”.

El lenguaje plastico de Ramirez confronta las cosas con el problema del tiempo humano llevando al espectador mas alla de una simple confrontacion. Sus obras movilizan la mirada, la atraen, la animan y la ponen en constante vigilancia. No se trata solamente de construir imagenes que convocan lo real, sino de mostrar que la realidad de la imagen es el acceso a lo real, donde toda figuración es la voluntad de una trascendencia. Carmen Ramirez no hace desaparecer ni la imagen, ni el signo, proporciona los equivalentes y los lleva hacia la mirada y la mirada hacia lo real. Invita a descubrir sus paisajes, ideas instantáneas de un extraño urbanismo, testimonio de un universo melancólico, entre proyección mental y reflexión sobre lo visible.

Considerando la tela como el receptáculo de ese universo, organiza los enlaces, compone un elemento-objeto y crea así una obra. Matríz indispensable, la tela, le permite generar con una economia de medios fascinantes, un panel de piezas sensibles, refinadas, donde la fuerza intrínseca encierra una connotación poética evidente. Aires sensoriales, paisajes lunares poblados de hormigas que caminan hacia territorios imaginarios. Entre relieves y llanuras, se desprende una obra profundamente arraigada en una lenta maduración del « hacer » através de una ejecución sutil y de una técnica indiscutible. De gran tamaño son el resultado del estudio de la transcripción del espacio mental que se inventa en y por el cerebro antes de ser traspasado a la realidad.

El curso de reflexión que sigue Carmen Ramirez, se manifiesta en sus obras inéditas a gran escala, las que suscitan la curiosidad, el desplazamiento de la mirada, despiertan los sentidos, imponiendo una lectura progresiva y atenta, un tiempo para la obra. El tiempo de la obra.

Evidentemente las telas poseen formas, y pueden ser percibidas como evocaciones del mundo sensible, a tal punto que es posible leerlas como fragmentos de una realidad microscópica subitamente reveladas, como pliegues íntimos del cuerpo humano. Fluctuando entre sus dos mundos matéricos: la materia blanda y la materia dura, expresiones indisociables de su vida de acedora, en este caso representados por las sabanas y las hormigas.

Frente a su profunda y enigmatica obra, las palabras son impotentes y las sensaciones desconocidas. Se debe permanecer un largo rato, para mirar cada obra, no como un objeto único, sino más bien como una interaccion en la que actuan mundos paralelos que conducen a una experiencia casi mágica. Intimista en su obra, no teme aferrarse a materiales y formas que la llevan a una marginalidad. Abordando temas que despoja hasta llegar a la esencia misma de la condicion humana.

nota publicada en "Arte al Dia International" n° 127 junio-julio 2009

Paolo Campochiaro - galeria Mirta Demare - Rotterdam

2010-10-01T14:27:00.003+02:00

Cuando se franquea la puerta de entrada a la exposición, ubicada en el primer piso de una típica casa holandesa, es imposible sospechar el dialogo visual que se establece entre el conjunto de obras, aparentemente inconexas entre sí y el visitante. Bajo el título de « Hole » work in progress se presentan frente al espectador algunas de las piezas más reveladoras de Campochiaro-1968-, una serie de fotografías de gran formato realizadas entre el 2006 y el 2008. Imágenes que permiten ver el desarrollo del trabajo del artista a través de los diferentes sitios por los que viajó, y los discursos que se articulan a partir de los elementos decisivos de cada lugar, que se pueden intuir en las obras.

Resulta evidente que su trabajo fotográfico se ha desarrollado de manera fluida y ha venido a proponer una nueva lectura sobre temas que hasta hace poco hubieran parecido casi agotados. Toma como punto de partida, para ir en pos de una original mirada, la descontextualización de los objetos y los dota de un caracter peculiar, que los hace aparecer ante los ojos del espectador como trabajos a medio camino entre lo escultórico objetual, o lo pictórico más cercano al croquis, sin que en ningún caso sean solo eso. Su mirada, observa la cotidianidad urbana y, envuelto en el caos citadino y suburbano, da un sorprendente giro y confronta a las diferentes situaciones desde una perspectiva activamente estética.

Aunque el mismo Campochiaro afirma no haber hecho uso de efectos especiales, ni de luces artificiales, si se percibe, sin embargo, una cierta dirección de escena, especialmente en aquellas tomas que incluyen personajes. Las fotografías, todas, demandan atención y son imagenes abstractas, un Close Up de la realidad, como lo denomina el artista. Que vemos cuando su camara se detiene en los empedrados humedos captando imagenes que pronto van a desaparecer?. Una mancha de aceite en el asfalto, en las afueras de Londres; un tomate aplastado en las calles de Abu Dhabi, los reflejos del Reichstag en Berlín o el brillo enceguecedor de las luces urbanas que junto a las sombras parecen venir de los sitios más difusos del alma. Una atmosfera que el artista recrea y estructura a partir de una estética relacionada con esos lugares, de los cuales, solo aprende lo relacionado con la inventiva y el diseño improvisado de los objetos y situaciones encontrados en sus viajes que coexisten y se yuxtaponen.

Algo que salta a la vista es el hecho de que su obra tiene la riqueza de la sugerencia, al conectar cosas que aparentan no tener nada que ver entre sí. Interrogaciones y respuestas regulan la secuencia de esta exposición. Una historia sin historia donde plantea una relación plástica y semiótica entre símbolos emblemáticos de la cultura occidental. Tensiones entre los objetos y el espacio sin límites al que el espectador es conducido e introducido, el espacio que le pertenece, que es él mismo. Fotografías que son concebidas como huellas, donde se mezclan la realidad y la ficción; y en las que se refleja un circulo continuo de referencias propias al artista. La imagen como reflejo de lo visible? El instante del cliché autoriza a un fluido camino de ilución? Aquí, las imagenes solo sugieren que las fotografías no fijan nada, solo son, como decia Baudelaire, “lucarnes de l'infini”.

nota publicada en "Arte al Dia International" n° 129 noviembre-diciembre 2009

BOLIVAR - Ecuación Madí

2010-09-30T16:36:00.004+02:00

Bolivar

Talentoso tallador de formas, avizorado en la magia de capturar la materia y el espacio como esencia de la escultura para proyectarlo en la tridimensionalidad, Bolivar - Salto, Uruguay, 1932- transita como el explorador que de antemano conoce concienzudamente su terreno. Sus obras, mostrando la herencia del constructivismo hablan del equilibrio sensible de la forma, del orden, de la simplicidad, de la ingeniosidad. Perfectamente resueltas en el aspecto técnico, hacen pensar en la imaginación desbordante del artista, mientras que no significan nada, simplemente “son” han nacido de una no existencia dentro de la existencia.

En una muestra antológica que recorre los últimos años de su producción, la galería Durban-Segnini –Miami- nos permite constatar la conjunción de años de trabajo. Ante nosotros, tenemos un despliegue en el espacio, de nueve esculturas y once formas madi tridimensional, que es a la vez poético y enigmático. El conjunto presenta distintas instancias de su trayectoria que cautivan la mirada del espectador por sus tentadoras superficies e insólitas formas. La pasión que imprime a su trabajo se traduce en ese cúmulo de sensaciones que comparte con el espectador, lo que facilita la percepción de las atmósferas sugeridas en cada una de las esculturas obligándolo a detenerse y a pensar. Desde que empezó a exponer su obra en 1955, ha producido un trabajo que permite apreciar el desarrollo de un proceso de búsqueda bien dirigido hacia sus objetivos, que no se estanca en logros ni rehuye cambios de lenguaje cuando los juzga necesarios.

Formado dentro del espíritu del constructivismo, dentro de la herencia artística de Joaquín Torres García, preparada por la herencia de grandes maestros de la historia del arte, como los rusos-Tatlin, Rodchenko, Lissitzky-, húngaros -Moholy-Nagy, Péri Laszlo-, holandés –Vantongerloo-, su escultura sigue un desarrollo coherente y justifica su obra en el ámbito del espacio real que logra objetivar sus valores plásticos. Siguiendo esa enseñanza entró en la modernidad racional y MADI, movimiento que integra desde hace casi dos décadas, donde aprendió la negación de considerar la tela como una simple ventana a través de la cual aparece el sujeto. La forma exterior de alguna de sus obras traen a la mente con insistencia, por su forma limpia y escueta, los iconos suprematistas de Kasimir Malevich creados bajo un concepto riguroso, de la abstracción pero impregnados de sentimiento.

La mayor parte de su trabajo escultórico constituye una exploración sobre los diferentes materiales y una meditación sobre la naturaleza “yo tengo necesidad de la vida, de la realidad que se mueve todo el tiempo. Salgo, observo, percibo un pedazo de madera, un hilo metálico y lentamente una forma comienza a dibujarse en mi cerebro”. Vigor, sensibilidad, autenticidad se frecuentan con audacia en sus estructuras en madera, planos sutilmente desplazados, llenos, vacíos y oposición de colores, donde todos los matices del ocre, el azul de ultramar y el negro acentúan la fuerza de su obra y vislumbran imperativamente la huella de sus ancestros los indios charruas.

Sus investigaciones tienden ardientemente dentro de un espíritu de simplificación hacia nuevas riquezas de lenguaje donde líneas y colores, planos y organización son los factores esenciales de una forma sujeta al tratamiento de la espacialidad. Sus pinturas-objetos y esculturas en madera, combinaciones de formas inéditas - sobre todo círculos y rectángulos - son construcciones monocromas, donde cada unidad coloreada es tratada con una ciencia refinada que evita todos los escollos del ilusionismo estético para dejar emerger solamente los tonos con matices complejos. Sus obras tienen la ambición de apoderarse de los movimientos, los más esenciales. Con un ritmo que es como la serenidad que sucede al combate donde se concilian las batallas de color. Mas allá del cuadrado, la obra de Bolivar es experimentación, innovación, certeza, sin nostalgia por el simple placer de mirar. La pureza que la abstracción de Bolivar hace surgir es la que encontramos en el arte popular latinoamericano en particular en su país, Uruguay.

Si tuviera que anotar un concepto que nos diera una pista para adentrarnos en el arte de Bolivar pronunciaría la palabra ritmo, ese ritmo que se da en lo lineal, no en la línea misma sino en el recorrido que hace esa línea. Las que con delicadeza van trazando formas sutiles, limitando espacios. Ese recato, lejos de restarle fuerza mantiene cada una de sus composiciones estructuradas. Enfatizando la línea y las áreas de colores, disolviendo el contexto en que se sitúan las obras, crea un efecto de abstracción, prácticamente atemporal planteando así una propuesta muy personal en la representación de las esculturas que despojadas de peso, se disocian de cualquier referente real.

Una obra, en términos generales, marcada por el predominio de la línea y de la expresión, rasgos que alcanzan la máxima dimensión. Por una parte se ve que siente la materia y el color con singular hondura y que los maneja con exquisita maestría, enriqueciéndolos a veces hasta la saturación. Se lo ve organizando las masas con trazos certeros y definitivos, pasando de una escultura cerrada, a una mas aireada y sutil. Ambas se pueden analizar bajo la óptica de dos geometrías como una métrica unitaria de valores materiales y temporales del espacio. Su obra se caracteriza por un poderoso dualismo expresado por la coexistencia de la materia / color y de la línea / estructura. Formalmente hablando, Bolivar sabe interpretar los diferentes materiales y quienes se acercan a su obra experimentan una sensación de emoción contenida. Su arte, surge a través del contacto con las profundidades donde el azar y el orden se interceptan armoniosamente provocando formas sencillas que expresan con fuerza la volumetría tridimensional. Obras que atraen tanto a los deseos de la vista y el tacto como a las sensibilidades de la mente.

nota publicada en "Arte al Dia International" n° 112 enero 2006

La Trama de lo Humano

2010-09-25T17:18:00.003+02:00

El dibujo nos revela gran número de claves del proceso creador de un artista: es un arte en sí mismo y, a la vez, la base necesaria para otras artes, especialmente el grabado. El dibujo, es más que una simple representación de ideas, es experiencia conceptual y formal. En cualquiera de sus variantes, de boceto a obra acabada, califica la actividad de cualquier artista en su dimensión más profunda.

Cuando en 1915, el historiador del arte y crítico, Heinrich Wölfflin, señala el concepto de forma cerrada como uno de los conceptos fundamentales del arte, no hace más que ofrecer una formulación teórica a lo que, desde hacía más de dos mil años, el dibujo habia realizado; una práctica figurativa que había dado cuerpo e imagen a los dioses, a la idea y al ideal. Sin embargo, el mismo historiador suizo advertía la necesidad de entender este concepto »con mucha amplitud », observando que, junto a composiciones de tipo rigurosamente tectónico, « se encuentra siempre una forma más libre ».

La obra reciente de Pablo Flaiszman es una sintesis de más de veinte años de trabajo. Los retratos grabados son el resultado de las distintas etapas de su vida artistica y al mismo tiempo muestran una madurez técnica e intelectual, muy distinta a la inicial de la decada de 1990. Su trayectoria comenzó, cuando atravesó el umbral del taller de la artista plástica Luisa Reisner. Desde esos primeros años de aprendizaje, el dibujo ha sido el elemento fundamental dentro de su búsqueda y su principal medio de expresión, la base de la construcción de toda su obra. Representado como simple croquis o más elaborado, el dibujo a menudo, acentúa a través de una simplificación voluntaria, el aspecto substancial de su trabajo, asi será una narración, un relato en acción.

La figura humana es fundamental en su obra. Confia en el cuerpo como su tema principal, debido a su infinita capacidad de transmitir significado: puede interpretarse como un mapa de experiencia y emoción individuales o como un reflejo de los aspectos fisicos y espirituales de nuestro ser. En algunos retratos, el sujeto mira resueltamente al espectador, como haciendo un franco pronunciamiento de su presencia. Sus obras retratan a un individuo solitario. Para Flaiszman, el individuo y los gestos privados captados por el trazo se convierten en espejos para el espectador, en los cuales puede proyectar sus propios deseos, miedos y actitudes. Nos asombraremos de la virtuocidad con la cual el artista juega, según los sujetos, con un dibujo que puede ser refinado, como a veces brutal y decisivo. No obstante, la línea es siempre sensible, viviente, próxima a su sujeto; ella alcanza el limite de la abstración.

El dominio técnico de Flaiszman en la utilización del aguafuerte, aguatinta o punta seca crea un juego sabio de contraste entre luces y sombras en las estampas que realiza. En su obra predomina la búsqueda de la forma. Los dibujos son liberados de motivos superfluos, en donde los retratos desaparecen como absorbidos por una trama abstracta, al casi desvanecimiento de la imagen causada por los matices de negros y grises. Recorrer estos sorprendentes gravados conduce a detenerse con atención frente a las imágenes que aparecen como dubitativas e inconclusas; cuerpos sin terminar, rasgos sin definir, bordes sin demarcar que destilan una ambición pictórica notable y transmiten el placer por el oficio.

Flaiszman sabe crear una atmósfera de completa desinhibición a tal punto que el dibujo es liberado de toda convención, de toda restricción. Es auténtico, es la traducción instantánea del choque creativo que el artista experimenta. La extraordinaria libertad del trazo que caracteriza su obra permite de esperar una representación donde enigma y tensión se confunden en un mismo designio.

Cada retrato despliega sus diálogos en un territorio fuertemente connotado por lo personal y afectivo. Es el tiempo de una vida compartida condensada en la inmediatez del presente, de los recuerdos cotidianos que pueden esconderse bajo una mueca o una sonrisa.

Fragmentos de imágenes se reconstruyen en una suerte de rompecabezas que enlaza la pura forma y la belleza evocadora de los retratos. Sometidos a los matices, algunos de ellos se presentan como una suerte de simbiosis donde la forma se desdibuja y los razgos se ocultan. Gran teatro de sombras donde se juegan las miradas y cada retrato registra sus señas particulares. Mediante la manipulación de un « corpus » de imágenes, Flaiszman elabora retratos con misteriosas atmósferas trabajadas picturalmente. Los personajes parecen atravesar el papel, surgir del fondo para volver a él. Se establece una relación figura-fondo que otorga a estas obras una vaga intemporalidad. Hay luces y sombras que subrayan la complicidad del personaje con su entorno. Desde la impronta siempre humanista de su arte, Flaiszman se plantea preguntas sobre la identidad del ser, identidad que se perfila, ante todo, como una relación con el mundo. En sus retratos, el rostro se descompone como un espectro alucinado y luego se reconstruye hasta que la expresión de la mirada aparece y el rostro vuelve a tomar una forma humana. Sólo subsiste lo esencial de esos seres, es decir lo que ve de ellos cuando los observa.

Un grabado es un dibujo y eso quizás es lo más importante, pero es un dibujo donde la técnica es protagonista. Grabar es una técnica laboriosa y compleja,-con mucha personalidad-, que impregna siempre con una cota de misterio y de imprevisibilidad el resultado final y que el grabador vive como un premio consustancial a su labor creativa. Cada artista se apropia de una técnica que le sirve para expresar mejor su capacidad plástica y emocional,-la técnica es una herramienta de expresión- y su proceso creativo es muy especial. Flaiszman es un artista cuando configura y persigue la imagen deseada, y artesano cuando va a por ella – pensando en ácidos y tiempos de mordida, en entintar la plancha, en humedecer y secar bien el papel –en estampar en el tórculo que en muchos aspectos es una máquina casi medieval. Pero en todo ese camino donde van siempre unidas la técnica y lo creativo está precisamente su encanto.

Su obra es una experimentación constante. La plancha donde vuelca sus sentimientos y su percepción del mundo se convierte en sus manos, en un laboratorio estético. En esa superficie aparentemente continua de la plancha, aparecen infinidad de superficies cada una de ellas con autonomía propia. Diríase que el espacio dispone de cien dimensiones diferentes que se interrelacionan, se comunican e incomunican. Sus personajes aparecen y desaparecen, surgen, intentan mostrarse, pero pueden –a continuación- convertirse en una forma abstracta. En su obra la línea recta y la curva tienen un fuerte protagonismo: las líneas rectas dirigen la composición, las líneas curvas comunican dinamismo y complejidad.

Obsesionado por la captura de la mirada, Pablo Flaiszman ha logrado lo más dificil: ahondar en la psicología de sus personajes, potenciando el significado de unos ojos, el gesto de unas manos, para superar un realismo rutinario y desembocar en otros planteamientos plásticos: de ahí la irrealidad que no es sublimación, ni idealización, sino la presencia de lo intangible. En sus retratos se da otra estética de la imagen donde lo intimo se abre a infinitas posibilidades formales. Y esto es lo importante, porque hasta aquí la búsqueda personal no parece constreñida por ningún factor extraño y diferente de la tarea de traducir en imágenes un mundo personal.

Texto del catálogo de la exposición « Retratos grabados » de Pablo Flaiszman

28/08/2010 - 19/09/2010 - Museo Eduardo Sivori - Buenos Aires

DENISE RENE, un combate por el “arte construido”

2010-09-24T18:10:00.008+02:00

Denise René

Como en muchas entrevistas Denise René ha tenido la ocasión de recordar y hablar de su pasado. Más de medio siglo de compromisos y riesgos, donde la historia y aventura de su galería se desarrolló entre éxitos y cambios crueles que no le impidieron permanecer fiel a una misma línea estética y continuar su ruta en defensa del “arte construido”. Expresar el valor incalculable de esta galerista es una tarea difícil, pero la lista de las exposiciones y los homenajes realizados por museos y galerias amigas hablan por si mismas. Es la personalidad, la trayectoria rectilinea y exigencia en si misma que han hecho que Denise René tenga un papel determinante en el campo del arte abstracto y construido dentro de la Europa de la postguerra. Denise René fué, es y será una apasionada por el arte abstracto.

En ese París, anterior a la guerra, entre Montparnasse, Saint-Germain y el Palais Royal, Denise Bleibtreu (Denise René) hace sus primeras armas. Allí encuentra sus primeros surrealistas: Oscar Domínguez, André Masson, Jacques Hérold, Georges Hugnet y frecuenta las noches de jazz dadas por los jóvenes integrantes de la revista surrealista “Les Réverbères”. Pero es en el café de Flore donde se vincula con los miembros del “groupe Octobre” y en la Navidad de 1939 allí mismo, tiene un encuentro decisivo con Vasarely quien instalado en París desde 1930 ha sacado ya mucho provecho de su formación de dibujante grafista, realizada en Budapest en el taller de un antiguo alumno de la Bauhaus, Sandor Bortnyik. Denise René encuentra en Vasarely un gran potencial y le hace descubrir los círculos artísticos y literarios parisinos. “...Vasarely era un gran artista, quería abrir en París una escuela superior de artes aplicadas como en la Bauhaus...”*

Desde el momento de la liberación en 1944 presenta las obras de investigación gráfica de Vasarely en la recién inaugurada galería “Denise René” (rue La Boétie), cuyo primer año se desarrolla en medio de una efervescencia debido a la reaparición simultánea de diferentes corrientes de la vanguardia.” ...fue mi primera galería abierta en la casa donde viví durante la guerra, donde desde mi ventana vi los últimos combates; allí escondí los soldados de la resistencia. Antes de abrir allí la galería tenía una casa de decoración y Vasarely hacía los dibujos de los objetos. La guerra no había terminado y Vasarely ya había colgado sus cuadros. En su primera exposición del ’44 no era abstracto su transformación abstracta fue en el ’46, pero no era muy bueno. Cuando los verdaderos abstractos expusieron Vasarely estaba curioso y él quería ser también el primero”*. En 1945 organiza una retrospectiva de Max Ernst, que será la primera del artista, con la complicidad de Paul Eluard y Georges Hugnet. La confirmación espectacular de ese resurgimiento abstracto en 1946 con la retrospectiva de Kandinsky en París y la realización del primer Salon des réalités nouvelles coinciden con el momento de cambios decisivos de la galería. Se orienta hacia la abstracción con la exposición explícitamente titulada “Peintures abstaites” participando Deyrolle, Schneider, Dewasne, Marie Raymond y Hartung, todos unidos en el Centre de Recherches creado por Domela. Quienes junto a Vasarely, Poliakoff y Piaubert formarán la espina dorsal de los comienzos abstractos de la galería. No existe en París ningún otro lugar que muestre la pintura abstracta. Es así como se reúnen alrededor de ella artistas que trabajan en la misma dirección pero sin conocerse. “Yo era prácticamente la única galerista que defendía el arte abstracto, por ese motivo los artistas me buscaban para ser expuestos ”.*

Es importante recordar que después de la guerra, artistas como Poliakoff, Pevsner, Gorin o Herbin son ignorados; Léger, Arp o Le Corbusier no son reconocidos como “maestros” y que lo que se conoce de Kandinsky es gracias a las revistas de arte. En ese contexto en 1948 Denise René organiza la exposición “Tendances de l’art abstrait”, donde colocando uno al lado del otro los pioneros de la abstracción, Kandinsky, Kupka, Delaunay, Gilioli o Jacobsen y los representantes de la nueva generación abstracta se demostraba la existencia de una filiación y de una tradición abstracta.

Con orgullo y modestia a la vez, Denise René dice que tuvo el honor de organizar la primera exposición personal de Mondrian en París, - cuando los museos franceses no habían rendido aún homenaje al inventor del Neo-Plasticismo -, la primera exposición europea de Albers después de la guerra y la primera exposición de Malévitch y de los precursores de la abstracción en Polonia alrededor de Stazewski. Confirmando así su papel de intercesora por la rehabilitación en Francia de toda una corriente de la historia del arte moderno que había sido el objeto de gran hostilidad dentro del medio artístico francés.

La agitación que el mundo esta viviendo con los acontecimientos políticos de 1953 donde el nacionalismo brilla, va ha influenciar en los medios intelectuales donde los unos y los otros endurecerán su posición. En ese momento de agitación Denise René organiza entre 1953-1955 exposiciones como “L’art suédois”, “L’art danois” y “Premier salon de la sculture abstraite”, donde artistas franceses y extranjeros son mezclados sin distinción. “...Jacobsen y Mortensen, que vinieron en el ’47 a París, fueron los que abrieron las puertas a Dinamarca para que esa forma de arte se instalara en Escandinavia, para mostrarles al público que estaba ocurriendo algo muy importante de vanguardia...” “... las exposiciones tuvieron un éxito enorme, los nórdicos son respetuosos y mismo si no comprendían querían aprender, no hubo ningún tipo de escándalo...” “... yo rápidamente organicé exposiciones en el extranjero porque los franceses no comprendían el arte abstracto, por ejemplo, Mortensen y Jacobsen fueron los que realizaron el trabajo más importante, abrieron el camino...”*

Considerada como el acontecimiento de la galería, la exposición “Le mouvement” de 1955 marca un momento decisivo y el comienzo de una explosión creativa donde los latinoamericanos ocuparán un lugar muy importante. La evolución de estos grupos seguirá una línea de investigación diferente, pero se cruzarán regularmente. Desde los últimos años de la guerra alrededor de Fontana y del grupo Arte Concreto invención, se escribe el Manifiesto espacialista y se constituye el grupo MADI. Es la frontera entre el cuadro ortogonal y las formas libres de la escultura que interesan por sobre todo a Carmelo Arden Quin, quien junto a Kosice y Rhod Rothfus fundan el grupo MADI a finales de los años 40 en Buenos Aires. Centro de gran poder de creación emergerán allí entre otros, Tomás Maldonado, Vardanega y Martha Boto que emigran a París; más tarde lo harán Paternosto y Maria Simon.

Desde hace un tiempo Vasarely trabaja sobre el cinetismo, redacta un manifiesto apodado posteriormente “Manifeste jaune” y Roger Bordier con Pontus Hulten escriben los textos. Se descubren obras de Agam, Calder, Tinguely, Bury, Soto, Vasarely, Jacobsen y la Máquina óptica de Marcel Duchamp. De ella nacerá una corriente que finalizará en “Nouvelles Tendances” y en el “Groupe de Recherche d’Art Visuel” (GRAV), agregando así el cinetismo a su blasón geométrico. “...Soto llegó de Venezuela directamente a la galería porque tenia conocimiento de Vasarely y de mí, fue el primero en instalarse en París y participar en la exposición “Le Mouvement” en 1955. Todos los venezolanos (Cruz-Diez) y argentinos (Tomasello, Vardanega, Marta Boto) venían a instalarse a París porque existía la galería Denise René... Vasarely y yo fuimos los que presentamos a Soto al arquitecto de la ciudad universitaria de Caracas, el venezolano Carlos Raúl Villanueva, recuerdo a Vasarely diciendo a Villanueva: tu no conoces a tu compatriota Soto? es un genio. Es así como Soto regresó como un artista reconocido a Caracas, gracias a la galería, ya que había dejado su país como un desconocido.”*

En el transcurso de los años 1955-1962 el fortalecimiento de la galería Denise René es un hecho indiscutible y es precisamente la extrema coherencia de sus elecciones y la negación de todo compromiso, lo que van a permitirle atravesar, sin dejarse engullir, la ola informal que sumergía en esos años al medio del arte parisino. Resistiendo al gusto del momento, elegía una estrategia diferente, la de la “defensiva de grupo” por la abstracción geométrica. A finales de los años 50 la galería reafirma su doctrina –la abstracción construida- y puntualiza sus referencias: Arp, Vasarely, Mortensen, Herbin; por quienes organiza exposiciones en el extranjero - Alemania, Escandinavia, Inglaterra, Italia y América Latina -. La exposición de los artistas argentinos del grupo MADI en febrero de 1958, la gira de la exposición de Vasarely en América Latina y especialmente su estadía en Buenos Aires en 1959 atraerán a los argentinos Julio Le Parc y Horacio García Rossi a tomar la decisión de partir a París donde encontrarán a Vasarely y propondrán sus obras a Denise René.

En Europa, el cambio de gusto que aparece a comienzos de los años 60 reorienta el interés del medio del arte hacia las vanguardias que rechazan el énfasis de la expresión personal. Testimoniando ese cambio, la galería Denise René, en 1961, presenta con la incitación de Vasarely la primera exposición del “Groupe de Recherche d’Art Visuel” (GRAV) constituido en París en julio de 1960 por García Rossi, Le Parc, Sobrino, Yvaral, García Miranda, Morellet y Stein, para poner a punto una “pintura experimental programada” - creada sobre el estudio de las leyes de la percepción visual y la inclusión del movimiento real u óptico -. El grupo organiza en las calles de París su famosa “Journée dans la rue”, donde ponía a disposición del transeúnte espejos deformantes, planchas de resortes, etc. Para mostrar que el arte puede ser lúdico, interactivo y que puede existir fuera del contexto que le es habitualmente atribuido. Ese mismo año inaugura la galería “Denise René-Rive gauche”, primera galería de arte europea dedicada a las ediciones de objetos de artistas, con la primera exposición de prototipos realizados por Vasarely. En 1967 inaugura una galería en Krefeld, Alemania y en 1971 en New York. Otro acontecimiento se suma para recompensar el esfuerzo y coraje de Denise René, el gran premio de pintura de la Biennale de Venise que es atribuido a Julio Le Parc por la realización del pabellón argentino, marcando así el apogeo de un combate comenzado veinte años atrás. Este éxito hace de Denise René, durante años, la más célebre galerista francesa en actividad.

Desde la Liberación, su propia historia se confunde con la del arte construido, sin olvidar su papel dentro del nacimiento del arte cinético, como también en el desarrollo del arte construido en Francia durante los años 50 y 60. En esos tiempos en París, había una regla a seguir que no admitía la participación de artistas extranjeros, salvo con la condición de una sumisión a la escuela de París. Denise René con sus múltiples exposiciones, trastornó esa ley reivindicando el aspecto de la creación internacional.

Una gran parte del arte moderno, después de más de un medio siglo ha sido hecha por los artistas sud americanos instalados en París, quienes encontraron un lugar en la historia del “arte construido” gracias a la perseverancia, terquedad y fuerza combativa de Denise René. Una historia compleja que entrelazó el destino de la galerista con el continente latinoamericano.

* entrevista con Denise René, por Patricia Avena, diciembre 2002

nota publicada en "Arte al Dia International" n° 97 - 2003

ARDEN QUIN figura clave del Movimiento MADI

2010-09-23T11:42:00.009+02:00

Carmelo Arden Quin

Carmelo Arden Quin es un artista, poeta e intelectual notable. Nació en 1913, en Rivera, en una calle fronteriza entre Uruguay y Brasil. Su amistad con su vecino, el escritor catalán José Sanz lo llevan a descubrir el cubismo, cuyas enseñanzas se reflejan en sus cuadros fechados entre 1934-35. En Argentina constituyó la primera vanguardia local en 1946 fundando junto a Rothfuss y Kosice el movimiento Madi. Pionero del anti-academicismo escribió manifiestos, creó revistas de vanguardia como Sinesis, Arturo, El Universario y Ailleurs. Testigo y protagonista de grandes acontecimientos de éste siglo de la plástica, militó enfáticamente en el contexto de una modernidad utópica. Personaje legendario, Carmelo Arden Quin brilla por su humildad, inteligencia y humanidad.

Madi es un movimiento que irrumpió en los años 40 gracias al empuje de un grupo de jóvenes artistas emprendedores, como respuesta a la situación artística empobrecida del país y con la intención de realizar una total renovación de las artes plásticas. En el medio artístico de la capital Argentina de esa época, la guerra civil española y la segunda guerra mundial tendrán una repercusión paradoxalmente positiva, debido a la inmigración forzada de personalidades europeas. En esta atmósfera, de toda evidencia favorable, nacerá el movimiento “concreto”, disidencia de la simple abstracción que ciertos jóvenes no conformistas encontraban demasiado moderada. Los “concretos” se reclamaban, bien entendido, de Torres García y Pettoruti, no obstante los concretos del Río de la Plata y sus amigos extranjeros militaban a favor de la misma tendencia, tenían los ojos fijos en varios movimientos europeos “anti parisinos” por definición: el constructivismo, el neo-plasticismo y la Bauhaus. En arte, como en política, los manifiestos se sucedían declarando la revolución todos los días, donde la práctica del arte como siempre coincidía con la política y el proyecto estético más radical no era otro que el rechazo de toda forma de figuración, representación o cualquier síntoma subjetivo. Es así como en ese Buenos Aires de los años 40 nacerá MADI.”...Madi era un grupo aislado que no tenia ningún contacto con las galerías. Las manifestaciones se presentaban en la casa del psicoanalista Enrique Pichón-Rivière y de la fotógrafa alemana Grete Stern. Más tarde organizamos conferencias con exposiciones de obras en salas, es así como poco a poco se formó el movimiento...”*

Madi se alejó voluntariamente de estéticas de raíz romántica para aproximarse a la perfección a través de la precisión y la minuciosidad. Es esencialmente un arte no figurativo de base geométrica, que surgió con la intención de otorgarle a la abstracción una nueva forma, un desarrollo menos rígido que el arte concreto y con una visión más lírica. Mantuvo constante la ausencia total de la representación, la negación del gesto del artista y la construcción geométrica, pero renovó el lenguaje con la utilización de colores vivos, superficies y líneas curvas y cóncavas para la pintura, rompiendo con el marco rectangular anclado en la tradición y la movilidad y ausencia de color para la escultura. Pero no se puede hablar de Madi sin nombrar a su principal creador e inspirador constante Carmelo Arden Quin, quien desde sus inicios en Buenos Aires aportó un cúmulo de innovaciones en el dominio de la abstracción geométrica, defendiendo una total libertad en el material como en la técnica, esforzándose siempre a dominar a la perfección.”... al crear la forma, Madi abrió para la plástica una libertad absoluta. Alcanzar el movimiento perpetuo a través de la utilización de colores simples, estructuras poligonales y espacios vacíos. Madi no se contenta con las formas inmóviles y los espacios cerrados, en su concepto no hay ni interior ni exterior, rechaza toda idea de delimitación, es una revisión de la plástica en general...” *

Entre Arden Quin y su obra existe un entrelazamiento de diálogo donde la exploración estética y lúdica despliegan su curiosidad y materializan sus ideas. Sumergido en su pensamiento plástico, explora el espacio para así encontrar el instante donde detenerse. La forma plástica en la obra de Arden Quin intenta abrirse hacia una aventura. A través del “marco recortado”, sale así del rectángulo, de la ventana o del cuadrado, va más allá del agujero, para descubrir otros contornos. “...Madi es una salida incluso psíquica del rectángulo, hace siglos que nosotros pensamos con el cuadrado, con el rectángulo, pero no con la totalidad de la geometría...” .* En sus cuadros los colores se desplazan en diferentes direcciones, pero se condensan en un cierto punto del espacio, el centro geométrico de la perspectiva. Cada objeto móvil, cada “coplanal”, cada cuadro, constituye una invención plástica, un juego de formas y colores que se movilizan entre el espacio y el tiempo de un modo utópico, inventado. “... la palabra “coplanal”esta compuesta de las palabras: cooperación y plan, y muestra que son objetos compuestos libremente sin un marco definido. Madi tiene su vocabulario, nosotros no somos constructivistas, ni arte concreto, ni abstractos, somos artistas geométricos, nosotros afirmamos nuestro origen que es la geometría, sin la geometría no hay Madi; es decir todos los elementos de la geometría, el punto, la línea, el plano, el volumen y la forma. Son cinco elementos geométricamente constituidos hasta llegar a la forma poligonal, donde la dimensión no es únicamente el rectángulo y el cuadrado, sino un óvalo, un circulo, un triangulo, un trapecio, hasta llegar a lo que nosotros llamamos “la forma Madi”.*

A lo largo de los años la obra de Arden Quin se mueve entre coordenadas invariables que son, la fidelidad a su maestro Torres García-que conoció en 1935- y el arte Madi, su voluntad de sencillez y claridad, tanto en la creación plástica como en la expresión teórica. Jamás reivindica prioridad alguna, por el contrario, cita y explica la obra de los que le precedieron, reclamando en primer lugar para sí la herencia de Torres García y el impacto que le causaron sus juguetes de madera articulados. Radicado en Buenos Aires desde finales del 37, estudia filosofía y letras, frecuenta tertulias de pintores, escritores y conoce a los poetas Godofredo Iommi y Edgar Bayley. Co-fundador de la primera revista de artes abstractas “Arturo”-1942- y de “Madi” –1946-, parte a Paris en el 48 llevando consigo la idea de Madi como grupo, rehaciendo uno que ejercerá su influencia por doquier, el “Movimiento Madi internacional”. Si en 1953 el grupo se componía solo de diez artistas a juzgar por las obras que aparecen reunidas en el “Salon des Réalités Nouvelles” de aquel año, desde entonces y hasta hoy, a Carmelo Arden Quin parece importarle más que cualquier otra cosa, más que su creación personal incluso, el arte Madi, la obra de cada miembro del grupo, las exposiciones colectivas antes que las personales, así como la difusión del movimiento a escala internacional. El resultado es la actual dimensión internacional del arte Madi con más de 60 artistas que le respetan y le siguen, de una docena de nacionalidades en una continuidad de cincuenta años, algo sin precedente en el arte de hoy. “... Madi es el primer movimiento en el mundo del arte contemporáneo que tiene museos, así se crearon el museo de Dallas, Maubeuge, Hungría, Macla en Argentina donde nació el movimiento y actualmente estamos trabajando con las autoridades de Fortaleza-Brasil- para crear el museo Madi que trabajará en asociación con el museo de la Plata (Macla)”.*

Pero la lista no se acaba aquí y Carmelo Arden Quin no deja de sorprendernos, hay que escucharle hablar del resto de manifestaciones como la exposición Madi Internacional en Montigny-le-Bretonneux y la inauguración de “Orión centre d’Art, géométrique MADI”,”... es una vieja idea que se concretiza, el de crear en Paris un centro de arte Madi donde todos los artistas del movimiento de todas partes del mundo pueden exponer sus obras, se realizaran exposiciones colectivas, individuales y de grupos. Es un centro galería donde los artistas Madi exponen y venden sus obras, pero el centro tiene otra función, el de dar conferencias y coloquios, exhibiciones, cine, música, danza, y arquitectura con tendencia Madi. Es únicamente para que la gente conozca y vea en permanencia los artistas Madi del mundo entero” * y futuras exposiciones, como la que se hará en el Centro cultural Borges –Argentina- el 7 de Julio, otra gran exposición Madi en el Museo Matisse en Le Cateau-Cambrésis –Francia- para el año 2007 y un proyecto para una exposición que se hará en Moscú por intermedio del grupo Madi Hungría. Actualmente Arden Quin expone con tres artistas históricos de “Réalités Nouvelles” Kupka, Del Marle y Colombier en la galería des Wantiers, en Valenciennes.

En medio siglo de existencia, Madi llega no solamente a subsistir, sino que se divulga y se renueva constantemente, “...porque el Madi de hoy no es el Madi de los años 50, como el de los años 50 no es el Madi primitivo, el Madi actual integra la técnica moderna, la luz, el aluminio, el plástico. Madi trabaja sin limites, como los ángulos, los números, que son sin limites; en un cuadro hay cantidad de ángulos que permiten una libertad de creación absoluta. Lo que siempre pido a los críticos e historiadores es que cuando se refieran a Madi acentúen sobre su origen que es “la geometría”, el origen no es Arden Quin, el origen de Madi es la geometría, porque lo que yo hago no lo hago sin la geometría. Para mí personalmente es una alegría inmensa afirmar la geometría en el arte, lo que propone Madi, es un arte esencialmente geométrico, es un movimiento libre donde la única exigencia para participar es el vínculo y afecto a las formas geométricas y a la idea de la poligonalidad, lo que por otra parte abre el camino a la imaginación... ”*

* entrevista con Carmelo Arden Quin, por Patricia Avena, abril 2004
nota publicada en "Arte al Dia International" n° 105, 2004

Ver tambien In Memoriam Carmelo Arden Quin

Atelier Carmen Piemonte y Nelson Riffo

2010-01-13T10:01:00.001+01:00

Fundacion Proa - La Boca - Buenos Aires

2009-12-20T11:01:00.002+01:00

Colegium Hungaricum - Berlin

2009-10-29T21:01:00.003+01:00

Berlin

2009-10-08T09:21:00.003+02:00

fond restaurang & bar - Göteborg

2009-07-27T18:20:00.000+02:00

Konsthallen - Göteborg

2009-07-22T18:05:00.002+02:00

Seen at the Konsthall - Göteborg

2009-06-11T13:58:00.002+02:00

Koskas

2009-03-04T10:05:00.002+01:00

Vernissage Nina Dotti - Galerie13 - Paris

2008-05-10T17:08:00.002+02:00

Amérique Latine, un certain art abstrait

2008-04-13T17:04:00.007+02:00

Museo L’Annonciade

Saint Tropez

Presentar el arte latinoamericano y ofrecer al público europeo una visión general de esta cultura es siempre una ardua tarea, especialmente por lo desconocido del concepto. Sin embargo la abstracción sigue siendo tema de interés dentro de la visualidad plástica, tanto para especialistas, como para coleccionistas y aficionados. En este contexto la exposición « Amérique Latine-Un certain art Abstrait », en el museo L’Annonciade de Saint Tropez , confirma una vez más ese interés. La muestra, intenta contar una historia, la del arte abstracto en América latina y propone una muy interesante lectura sobre obras realizadas por artistas que coinciden en entender el arte como un modelo posible del universo. Un conjunto de 60 obras de la autoría de 15 artistas, obras emblemáticas de grandes creadores como Torres Garcia, Arden Quin, Kosice, Rothfuss, Lauand, Cruz Diez, Soto, Le Parc, Boto, Vardánega, Garcia Rossi.

Sin un recorrido cronológico, si bien existen ciertos ejes formales que agrupan las obras y manteniendose siempre dentro de los parametros de lo abstracto, la exposición toma como hilo conductor a Joaquín Torres Garcia(1874-1949), cuya herencia plástica es tan poderosa que hoy se sigue desarrollando en ambas margenes del río de la plata, donde su universalismo constructivo adquiere así renovadas interpretaciones que van planteando nuevas propuestas basadas en su pensamiento estético. Su obra « Composition aux cinq partie » inicia el recorrido y lleva a transitar por la gran nave central de la antigua capilla de Notre-Dame de l’Annonciada (sXVI) donde suspendidos del techo, los móviles de Arden Quin y Kosice, se manifiestan frágiles y efímeros, desprovistos de materialidad, casi invisibles.

La segunda sala, en penumbras, recibe al espectador que se confronta con una explosión de color y movimiento que emerge de las obras cinéticas, cuyos procesos de creación, de método cientifico o completamente ligadas a la intuición llevan al espectador, por un instante, solamente a « ver ». Luego, viene el proceso de pensamiento, pero antes de ese proceso es posible ver la obra desnuda sin evocación alguna, creandose una complicidad, un juego lúdico que incita a participar. Marta Boto con las obras motorizadas « Déplacements optiques »-1967- que tienen una estructura de plexiglass cuya imagen virtual se distorsiona en un espejo curvo y desaparece al girar, solo para reaparecer en la siguiente vuelta, insitan al desplazamiento. Dentro de la lógica de la visión estética de estos artistas figura el abandono ineludible de lo plano de la pintura hacia una proyección al espacio. Como lo muestra la obra de Tomasello « Atmosphère chromoplastique n°287 » que cuelga de la pared cual pintura, pero tiene estructuras protuberantes geométricamente ordenadas que desvian y reflejan la luz, las sombras y el color.

Lo interesante de esta exposición, es que el espacio del museo, transformado en espacio lúdico poblado de pinturas, móviles y cajas lumínicas, capta la atención del visitante y sugiere un paseo delirante a través de memorias infantiles.

nota publicada en Arte al Dia International

Arte abstracto digital - Emiliano Baron

2008-03-28T10:41:00.004+01:00

El arte del siglo XXI se interesa por usar distintos soportes, por la digitalización, el rayo láser, la imagen en movimiento, etc. Las nuevas generaciones se manejan por el icono o las imágenes: tratan de transmitir ideas. Es el caso del joven artista Emiliano Baron, que utilizando la potencia del encuadre fotografico, nos ofrece una serie de imagenes increibles. Tomas cerradas, momentos capturados de mucha profundidad que muestran fragmentos de urbe como seguramente nunca se han visto en esta singular ciudad, donde en cada fotografia se insinua ese « mas alla » que puede ser misterioso dependiendo de la mirada del espectador.

El encuentro con la obra de arte es una vivencia individual particularmente significativa cuando en ella protagoniza el color; en un brevisimo instante se combinan conceptos, recuerdos y afectos que el espectador asimila desde una doble dimensión. Las proyecciones, las huellas luminicas son indices inmateriales de lo real que han impregnado su obra las que crean ritmicas y vibrantes bandas horizontales que se desplazan opticamente en todas direcciones creando por momentos exuberantes bosques. Mientras que las fotografias de pequeno formato y dispuestas en damero, son en cierta forma una ciudad construida de multiples fragmentos en la que una sensible organicidad resiste a la impostura ortogonal.

Interesado por la captura del movimiento Baron se propone documentar la realidad a través de este nuevo género de arte utilizando originales recursos tecnologicos (computadora Mac, escáner, lápiz óptico y Painter) y estéticos, en procesos cotidianos, silenciosos y sofisticados, que hacen posible la comunicación en forma instantanea, eficaz, casi mágica.

Ambiciosa, revela una madurez artistica en gestación, donde las obras desde el punto de vista formal estan construidas sobre la base de la preocupación por la perfección, el rigor y la disciplina, un deseo de limpieza y exactitud en la elaboración, obsesiones del jóven artista probablemente influenciado por su formación de arquitecto, invitando al público a interpretar y descubrir una experiencia gratificante.

Texto del catálogo - exposición Espacio Modigliani

Masterflash alias Liano - Argentina

2008-03-24T15:12:00.008+01:00

Atelier Eduardo Hoffmann - Buenos Aires

2008-03-12T15:30:00.003+01:00

Galerie Griesmar & Tamer - artiste ?

2008-02-05T10:41:00.000+01:00

Julio Leparc dans la Galerie Griesmar & Tamer

2008-01-28T10:15:00.000+01:00

Mémoires Externes / Travaux Préparatoires

Bolivar

2008-01-19T09:36:00.001+01:00

Vu à la FIAC 2007 - Artiste ?

2008-01-05T10:33:00.000+01:00

Representacao Austria - Bienal Arquitectura - Sao Paulo

2007-12-21T10:56:00.001+01:00

Projet Niemeyer - Sao Paulo

2007-12-16T18:27:00.000+01:00

Bienal Arquitectura - Niemeyer - Sao Paulo

2007-12-14T17:50:00.000+01:00

Carmelo Arden Quin - Galerie Drouart

2007-12-09T18:49:00.001+01:00

Vernissage Carmelo Arden Quin - Galerie Drouart

2007-12-07T17:28:00.000+01:00

Marta Boto - o(s) cinetico(s) - instituto Ohtake

2007-12-01T17:12:00.000+01:00

FIAC 2007

2007-11-27T09:47:00.000+01:00

Cola delante del stand de la Galerie Perrotin para la compra de las minimaquinas a fabricar mierda "Cloaca" de Wim Delvoye

AES + F
Last Riot - 2
Tondo n° 5

2006
Digital print on canvas
d = 150 cm

« Je vous aime tous » Vincent Olinet

o(s) cinetico(s) - instituto Ohtake - Sao Paulo

2007-11-25T17:06:00.000+01:00

Instituto Tomie Ohtake - Sao Paulo

2007-11-23T15:29:00.001+01:00

http://www.institutotomieohtake.org.br/inicio/teinicio.htm

Agam - FIAC 2007 - Galerie Denise René

2007-11-22T18:31:00.001+01:00

Mario Gurfein

2007-11-03T16:43:00.000+01:00

Atelier Mario Gurfein - Paris

2007-11-01T15:13:00.000+01:00

Pepe Lopez - Galerie 13Sévigné - Paris

2007-10-29T20:18:00.000+01:00

Pepe Lopez - Galerie 13Sévigné - Paris

2007-10-27T09:28:00.010+02:00

Pepe Lopez (Caracas 1966), sorprende con sus trabajos apenas se entra a la parisina galería 13Sévigné. Tal sorpresa no es falsa, ni negativa y sin saber exactamente por qué, la sorpresa no desaparece. Fantasticplastic 2007-CartographiesUrbanes, es la segunda muestra personal del artista que enfatiza su acercamiento a nuestro mundo y su cultura popular.

El trabajo laborioso, la repetición de una acción, el proceso, la experimentación con los materiales desechables y una excesiva atención a los detalles orientan las obras bidimensionales de gran formato cuyas simples lineas de diferente espesor fabricadas con cinta scotch y autoadhesivos, sus materiales de predilección, se entrecruzan y caen como telones acentuando así el carácter escenográfico, otra de las evidencias visuales más sintomáticas en las obras expuestas. Estas llamadas cartografias urbanas de los lugares y ciudades que visita, estan acompañadas de un video que ilustra el pasaje del paisaje urbano al pixel de la tela, la transformación del micro al macro; según señala el autor «el pixel me ha dado una nueva visión del arte»

Artista multimedia, cosmopolita y consumado investigador de los problemas sociales, presenta un video en donde una cámara colocada en un carro de supermercado empujado por el mismo, insitan al espectador a viajar por las calles de New York. De apariencia simple, cruda, pero rica en significados, es una obra de sofisticados comentarios sobre la condición social. Lo son también sus instalaciones que se presentan como momentos de la sociedad actual y vienen siendo una reflexiva advertencia del artista como lo muestra la realizada expresamente para la exposición.

La muestra se antoja paradigmática en cuanto a la reflexión, a través de todas las piezas, de algunos de los temas que desde siempre han fascinado a Pepe Lopez. Así los planteamientos acerca de la percepción ya establecida y del movimiento están presentes en las revisiones descontextualizadas o abstraidas de las obras. Ambiciosa, revela una madurez artística en gestación, donde las piezas más conceptuales en su orientación y más desarrolladas desde el punto de vista formal y temático, se construyen preocupándose por la perfección, el rigor y la disciplina, un deseo de limpieza y exactitud en la elaboración, obsesiones del artista probablemente influenciado por su formación de ingeniero civil y la herencia de la abstracción geométrica venezolana.

Pepe Lopez, se aleja de las posiciones elitistas y potencia la comunicación, invitando al público a descubrir, participar, e interpretar.

nota publicada en "Arte al Dia International" n° 122 febrero-marzo 2008

Tout est dans la photo

2007-10-25T20:16:00.000+02:00

choses bizarres vues à la FIAC 2007

2007-10-24T21:13:00.001+02:00

FIAC 2007

2007-10-21T18:33:00.000+02:00

Eduardo Kac

2007-10-20T09:40:00.000+02:00

Detail of a silkscreen print from the
series “Lagoglyphs: The Bunny Variations” 40 x 54 cm 2007

Biennale 2007

2007-10-14T20:42:00.000+02:00

Eduardo Kac - IVAM 09/2007 Valencia

2007-10-06T17:27:00.001+02:00

Probando el microchip implantado en la pierna

Guillermo Kuitca - Arsenale - Biennale di Venezia 2007

2007-10-03T09:37:00.000+02:00

Venezia

2007-10-02T21:19:00.000+02:00

Biennale di Venezia 2007

2007-09-22T17:08:00.000+02:00

Leon Ferrari

Guillermo Kuitca

Ugo Rondinone - Urs Fischer
Chiesa di San Stae

street art - Abesses - Paris

2007-09-08T10:57:00.001+02:00

Patio del Reina Sofia - Madrid

2007-08-26T14:48:00.000+02:00

Atelier Eduardo Kac - Paris

2007-08-18T11:34:00.001+02:00

Vernissage Galerie Artcore - Paris

2007-08-15T09:58:00.000+02:00

Rodtchenko - Musée d'art moderne - Paris

2007-08-10T11:53:00.000+02:00

Visite à l'atelier de Mariano Favetto - Paris

2007-08-06T19:37:00.001+02:00

Atelier Dario Perez Flores - cinétique

2007-07-18T17:44:00.000+02:00

Atelier Dario Perez Flores

2007-07-14T11:53:00.000+02:00

Cerrajeros - Madrid

2007-07-04T09:41:00.000+02:00

Sonar 07 Barcelona

2007-06-27T22:44:00.000+02:00

Restaurant Water - Rotterdam

2007-06-05T08:53:00.000+02:00

Cruz Diez - Atelier - Paris

2007-06-02T09:52:00.000+02:00

Ben - MAMAC Nice - France

2007-05-26T16:41:00.001+02:00

MAMAC Nice

2007-05-22T21:18:00.001+02:00